Kamp Holland, c’est ainsi, selon les propres termes d’Enfant Terrible, deux vinyles d’ “électronique minimale”, “proto-elektro” ou “pop avant-garde” : la volonté de transcender les genres est affichée et revendiquée au sein de cette collection iconoclaste. L’ensemble, d’un intérêt constant à défaut d’une qualité soutenue, oscille entre des chansons dansantes de facture classique auxquelles s’opposent plusieurs pistes instrumentales. La nature plus ou moins accessible de ces dernières (on varie des rigolotes Pterodactyl Extraordinaire par Pornologic ou La Hars de Logosamphia, aux plus bruitistes Slaapstaking de Puin + Hoop et NONO de Peter Quistgard) compte d’ailleurs pour beaucoup dans l’aura expérimentale qui se dégage de prime abord à l’écoute de la compilation. Certains seront peut-être rebutés par les changements fréquents et radicaux de tempo et d’ambiance qui surviennent d’une piste à l’autre, changements qui peuvent rendre plus difficile une écoute suivie des disques; pour notre part, nous préférons saluer le courage de l’étiquette qui ose nous offrir un produit différent et authentique. À chacun ensuite d’en juger selon ses propres goûts et inclinations.

Quant aux quelques morceaux plus appropriés aux mains des DJs underground d’ici et d’ailleurs, il y en a pour tous les goûts, des pistes très pop à celles plus dark d’influence gothique (on pense à la quasi-EBM Bye Bye des Lesbian Mouseclicks – Enfant Terrible reste fidèle à lui-même). Trois nous ont tout particulièrement plu et nous vous les offrons ici en écoute : les joyeuses lignes de synthétiseur de Ruimtevaart Vooruit par Staatseinde nous renvoient à une synth-pop début 1980 à la Stahlnetz; Hunter Complex nous proposent des rythmes résolument plus disco avec une Desert que ne renierait pas Tobias Bernstrup; enfin, les amateurs de minimal wave trouveront leur compte avec Allégement de Milligram Retreat, entre basse robotique, voix éthérées et bruits de radio-transistor. Si l’aventure vous dit, vous pouvez mettre la main sur une des 623 copies limitées de Kamp Holland au www.enfant-terrible.nl/enfant17.html.

[Audio clip: view full post to listen]Staatseinde – Ruimtevaart Vooruit [3:11m]
[Audio clip: view full post to listen]Hunter Complex – Desert [5:08m]
[Audio clip: view full post to listen]Milligram Retreat – Allégement [4:49m]

Les membres restants de Tomates Electricos embrassèrent au sein de Fanzine un son plus électronique, dominé par les sonorités plus raw du duo classique Korg – KR-55 aux rythmes et MS-20 à la basse. Comme pour leur groupe précédent, le succès ne vint hélas que sur scène : des performances électrisantes parmi les plus spectaculaires de l’époque, nous rapporte-t-on, mais aucun enregistrement commercial. Il ne nous reste aujourd’hui que trois démos en format cassette, que nous offre gracieusement l’inimitable équipe de Mutant Sounds, et une réédition sur vinyle en 2008 par Synth Pop Spain Records, les mêmes qui ont ensuite produit Telefono rojo de Tomates Electricos.

Si la qualité du travail de Fanzine est globalement impressionnante, deux pistes se distinguent tout particulièrement du lot par leur inventivité musicale et leurs rythmes hautement efficaces et entraînants. Llegas tarde est un coup de cœur instantané et nous prouve qu’une chanson peut être énergique et dansante sans rien sacrifier en  beauté : tout comme chez Aviador Dro, nous retrouvons ici une sensibilité mélodique alliant paradoxalement une facette joyeuse quasi épique et un côté touchant teinté de mélancolie. Romantisme new wave ? Passion de l’âme ibérique ? La ligne mélodique de la partie centrale est en tout cas magnifique et vous poursuivra certainement écoute après écoute. Il existe plusieurs enregistrements de Llegas tarde qui diffèrent subtilement au niveau des sonorités et du mixage : nous vous offrons ici le premier, notre préféré. Noches de fiesta est peut-être quant à elle peut-être un peu moins touchante, mais il est impossible de rester de glace face à sa ligne de basse très Jean-Michel Jarre époque Magnetic Fields : un tempo effréné, des riffs imparables de guitare électrique et quelques modulations bien senties en fin de pièce complètent le tableau pour bien faire honneur au titre de la pièce. La Movida ? Si…

On ne trouve malheureusement pas d’information sur Klan X, qui nous offrent la très entrainante Alarma General sur la compilation DIY None Night of Flexipop 4. La piste, avec sa basse synthétique robotique et ses envolées de guitare, est hélas être leur seul enregistrement sur lequel nous avons pu mettre la main. Un tant soit peu plus prolifiques mais tout aussi méconnus, les Tomates Electricos sont un groupe de Valence fondé en 1981 par Miguel Ángel Galán (synthétiseurs), Francisco Galán (guitare), José Luis Macías (synthétiseurs) et José Godofredo (drum machines). Phénomène éphémère et essentiellement live, le groupe ne nous a essentiellement laissé qu’une compilation, Viajes (“Voyages”), rassemblent quelques démos et enregistrements en concert.

Telefono rojo semble être un de leur principaux succès et vient d’être récemment réédité par Synth Pop Spain Reccords sur un vinyle… rouge. Nous vous joignons aussi No te pongas histerico (“Ne sois pas hystérique”), chanson aux lignes de synthétiseur assez joyeuses, rappelant fortement le travail de Depeche Mode sur Speak & Spell : la boîte à rythmes primitive et la performance vocale, disons… inexpérimentée, doivent y être pour quelque chose. L’aventure ne s’arrête pas là toutefois, les membres de Tomates Electricos ayant été impliqués au sein de nombreuses formations de l’époque, la plus connue étant l’excellente Fanzine – on vous en reparle bientôt. Le 7″ de Telefono Rojo peut être commandé chez Anna Logue Records ou Mannequin.

Cold War Night­life
Di­manche 18 avril à par­tir de 22h au Salon Of­fi­ciel (351 Roy E. à Mont­réal).
Aux pla­tines : Georges Dimitrov (BlackoutMusique.com) + Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di)

Groupe américain fondé en 1982, Experimental Products est le fruit de la collaboration DIY et quelque peu chaotique de Marc Wilde et Michael Gross, deux musiciens piqués – comme tant d’autres à cette époque – par la passion des synthétiseurs analogiques et autres drum machines. Malgré une carrière qui a couvert la majeure partie de la décennie 1980, le duo n’a hélas publié en tout qu’un unique album, Prototype (1982), suivi de quelques 12″ et maxis éparpillés ici et là. Leur musique, froide, répétitive et robotique, représente une des incarnations les plus pures du genre minimal synth. Les voix atones teintées d’échos sont dans le ton des paroles au caractère souvent très neutre, à la limite de l’absurde et non dénuées d’une pointe d’humour.

Feeling Left Out, un de leur meilleurs titres tirés de l’album de 1982, nous conte ainsi l’épopée des gauchers s’unissant pour réclamer leurs droits, en des termes empruntés à une coupure de journal – vous pouvez d’ailleurs voir une reproduction de l’article, ainsi qu’une entrevue intéressante, sur le site Minimal Wave. Toujours sur le même disque, Sweet Rejection illustre le côté un peu plus mélodique du groupe, alors que des chansons comme The Addict démontrent une facette plus sombre et gothique. Pour les passionnés du vinyle, l’étiquette Vinyl On Demand ont fait en 2008 une réédition remasterisée de l’œuvre intégrale d’Experimental Products. Le tirage original est épuisé, mais vous pouvez en trouver quelques copies (assez chères cependant) sur Anna Logue Records; à défaut, l’album original vous attend en téléchargement chez nos amis Systems Of Romance. Bonne écoute.

Cold War Night­life
Di­manche 21 mars à par­tir de 22h au Salon Of­fi­ciel (351 Roy E. à Mont­réal).
Aux pla­tines : Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di) + DJ Axiene.

Les onze titres répartis sur deux disques vinyle (un 33 tours et un 7″) oscillent de manière éclectique entre deux pôles stylistiques assez disparates : d’un côté des chansons sombres et gothiques flirtant avec la dark wave, de l’autre de la pop synthétique enjouée et rigolote. Des deux orientations, la seconde – bien que minoritaire – est généralement représentée ici avec plus de bonheur. Du côté dark, There’s A Sound That Always Goes Out de Agent Side Grinder en ouverture n’est certainement pas la piste la plus intéressante que le groupe ait produite malgré l’intérêt expérimental que peut susciter son synthétiseur torturé; nous restons pareillement quelque peu sceptiques face aux vociférations vocales du hollandais Vincent K. Les hongrois Nosztalgia Direktíva et les belges Le Triangle Androgyne et Code(S) viennent heureusement sauver la mise avec quelques pistes robotiques et envoûtantes, particulièrement l’excellente Waiting For The Signal et sa ligne de basse d’une lenteur obsédante.

Du côté des chansons plus légères, on nous propose Catch A Dream du groupe franco-belge Yseult Descieux (mignonne quoiqu’un peu insignifiante), de même que les deux titres qui nous ont particulièrement conquis sur cette compilation, Disco Nouveau de Jongbloed & Sofia E.R. et Coeurvert de… Coeurvert. La première a un faux air de You Spin Me Round et devrait plaire aux amateurs de nouvelle vague française à la Moderne ou Mathématiques Modernes, avec ses rythmes dansants et ses voix atones. La seconde est un morceau d’absurdité synthétique belge dans la plus pure tradition de Starter ou Comix : “encore, encore/un corps à corps/encore, encore/encore d’accord…” Un peu de minimal synth attendu mais efficace complète enfin la sélection, gracieuseté des français Dolina ou des allemands Adolf Filter (sic).

Malgré quelques inégalités inhérentes à ce type de projets, Festival der Genialen Dissidenten s’en tire en fin de compte fort honorablement et nous offre la chance de découvrir plusieurs groupes autrement inaccessibles, ce que nous ne pouvons que saluer. Amateurs de musique électronique DIY bizarre et – dans ce cas particulier – particulièrement gothique, vous serez comblés. Nous vous offrons trois pistes pour vous mettre en appétit, et vous invitons évidemment à vous diriger vers le site d’Enfant Terrible (www.enfant-terrible.nl/enfant11.htm) pour vous procurer le coffret complet pendant qu’il en reste encore quelques uns en stock (leurs éditions étant notoirement très limitées).

Poursuivant la série de coups de cœur récents, nous vous présentons aujourd’hui le trio allemand Gorilla Aktiv : alors que Stahlnetz – dont nous vous parlions il y a quelques semaines – représentent bien le côté plus pop de la Neue Deutsche Welle, Gorilla Aktiv en illustrent parfaitement le côté plus sombre et décalé.

Leur musique, originalement parue sur trois cassettes entre 1982 et 1983, a fait dans la dernière décennie l’objet de deux rééditions : Nur Für Erwachsene a tout d’abord réuni sur un 7″ en 2003 les quatre titres de leur premier démo, le reste de leur production étant regroupée sur le LP Umsonst Ohne Risiko – “Sans risque gratuit” en 2005. Nous pouvons en remercier WSDP, une étiquette indépendante allemande dédiée, telle Minimal Wave, aux rééditions de musique minimale oubliée du début des années 1980 : son patron Frank Herges est le grand responsable du retour de Gorilla Aktiv sur les tablettes. Le tirage extrêmement limité de ces nouveaux vinyles (300 copies chacun) les rend toutefois presque aussi rares et inaccessibles que les enregistrements originaux et la présence de blogueurs comme Brotbeutel devient inestimable dans la diffusion de l’information – que ce soit pour la musique même ou l’impressionnant travail biographique.

Musicalement, Gorilla Aktiv est avant tout un voyage teinté d’attitude punk au pays des petits sons déjantés. Qu’ils soient produits par le MS-20 de service et de nature mélodique (Das Gesicht – “Le Visage”) ou le fruit de divers morceaux de ferraille échantillonnée (Die Makse – “Le Masque”), ces bruits saturent la production d’une bonne touche de folie. De D.A.F. à Palais Schaumburg,  la bande menée par Tommi Eckart renvoie ainsi inévitablement à plusieurs de leurs contemporains – leur côté iconoclaste garantissant une originalité indéniable assortie d’une redoutable efficacité. Des pièces survoltées comme Spiegelbild (“Image miroir”) témoignent ainsi d’une rare énergie dansante quasi-hystérique à laquelle plusieurs groupes d’aujourd’hui dits disco-punk tentent tant bien que mal de parvenir… Les pistes de Gorilla Aktiv sont toutes plus sympathiques les unes que les autres – le choix, déchirant : voici les trois dont nous vous avons parlé ici, bonne chasse web pour les autres !

Bien que très accrocheur et distribué par une étiquette importante, le disque n’a étonnamment pas eu un grand retentissement à l’époque, ce qui n’empêcherait pas le vinyle de figurer aujourd’hui parmi la liste des plus recherchés (selon Square Dancing). La musique de Stahlnetz ne révolutionne certes pas grand-chose mais elle possède une énergie et une bonne humeur communicatives. Que ce soit avec Der Seeman und Die Stewardess, une très jolie chanson menée par une ligne mélodique irrésistible, ou avec la bien nommée Romantisch, le duo nous parle d’amour et nous fait danser avec le sourire. Quant à Schwarzes Gold, si ses bruitages burlesques à la Telex qu’on retrouve après 2:48 ne vous amusent pas, nous déclinons toute responsabilité !

Xeno & Oaklander

Les deux formations partagent évidemment une passion pour les drum machines analogues, les nappes de sons synthétiques et les voix ténébreuses abusant parfois un peu d’écho. Mais là où la musique de Xeno & Oaklander était – malgré ses zones d’ombre – plus pop et mélodique, celle de Led Er Est s’inscrit dans une tendance nettement plus gothique. Les références abondent à des groupes fondamentaux de la première époque comme Bauhaus ou P.I.L. (on pense à la chanson d’ouverture Bikini Fun), de même que The Cure, dont la période 17 Seconds / Faith a clairement influencé des titres comme Destination Sanity ou I Wait For You – le côté électronique en plus.

Musicalement sinon, en dehors de la surprenante Something For The Children et sa composition bruitiste, les enchaînements harmoniques et les mélodies de Led Er Est ne s’éloignent pas trop des canons du genre, se cantonnant dans l’utilisation de divers modes entendus à tendance phrygienne. Cela n’empêche pas le groupe de nous offrir des hits qui compensent en efficacité ce qu’ils manquent peut-être en originalité : l’ensemble du disque est d’une grande qualité, Port Isabel et The Unkept Area en particulier étant aussi hautement énergiques l’une que l’autre et toutes deux fort appropriées pour les pistes de danse près de chez vous. Nous vous offrons les deux titres en écoute et vous invitons à visiter le site de Wierd Records pour plus d’informations.

N’employant toujours qu’un équipement musical analogue ayant fait les beaux jours des groupes cold-wave au début des années 1980 – et lui conférant un son distinctif -, McBride tisse des ambiances musicales empreintes d’étrangeté. La musique de Xeno & Oaklander est toutefois ici moins froide, moins incisive que son travail en solo, et fortement teintée de romantisme : un peu moins de Absolute Body Control dans la recette peut-être, et un peu plus de Oppenheimer Analysis. Les nombreuses influences du projet sont d’ailleurs très présentes et incluent quelques passages obligés du genre, tels les interludes musicaux abstraits (Move I) ou les sombres pistes atmosphériques (Another). La grande qualité et l’originalité de l’écriture mélodique de McBride empêchent toutefois leurs titres plus pop de sombrer dans le cliché : la chanson titre Sentinelle, Shadow World, ou encore 4th Wall sont de véritables trouvailles, de même que Toho Picture, une jolie piste instrumentale – une des plus belles réalisations du disque à notre avis. Nous vous joignons deux pistes à titre d’illustration, et vous invitons à vous procurer l’album si vous aimez : bonne écoute et bonne année !

Bien que musicalement intéressant et intriguant, ce dernier n’a pourtant pas la puissance et l’énergie concentrée des pistes de Irish Recording Tape. Les membres fondateurs Peter Fristedt et Johan Lange manipulent ici leurs vieux équipements analogiques avec doigté pour produire des ambiances sonores industrielles à base de bruits enregistrés et ré-enregistrés en boucle sur des bandes (tape loops) : une approche dont le charme ne s’est jamais démenti depuis les expérimentations de Pierre Schaffer au début des années 1950. À ces ambiances hypnotiques et minimalistes vient s’ajouter la basse électrique de Alexander Blomqvist, donnant à la musique une énergie “live” à travers des lignes héritées de Joy Division ou du premier Bauhaus. Le résultat, où se mêle une voix d’outre-tombe (gracieuseté de Kristoffer Grip) est fascinant. On oscille entre des titres plus accessibles comme Die To Live ou la très New Order-esque Life In Advance, et des pistes plus radicales comme Pulse ou Telefunk, d’une lenteur obsédante.

Nous vous offrons donc ici deux titres pour découvrir Agent Side Grinder, en écoute seulement à la demande d’Enfant Terrible. L’album, offert en vinyle uniquement, peut être acheté en ligne pour la modique somme de 16 euros : pour une édition limitée à 517 ( ? ) copies d’un disque d’une rare qualité, c’est une aubaine.

[Audio clip: view full post to listen]Agent Side Grinder – Die To Live  [5:10m][Audio clip: view full post to listen]Agent Side Grinder – Pulse  [3:22m]

En dehors de quelques 7″ et apparitions sur diverses compilations, Human Puppets n’ont qu’un seul album à leur actif, Future From The Past (2006). N’ayant originalement fait l’objet que d’un tirage très limité sur vinyle, le disque est disponible depuis cette année dans une version CD enrichie de quelques pistes supplémentaires, gracieuseté du tout jeune label allemand Disorder Records. Excellent de part en part, l’album nous offre quelques pistes remarquables et par ailleurs, fort dansantes. Nous vous invitons donc à écouter l’énergique Misery On Sunday, la justement nommée Minimal Man et l’hypnotique Reise Nach Deutschland, dans une pièce sombre et enfumée avec un stroboscope si vous en avez un sous la main.

Mené par le chanteur Joe O. Brian, le groupe nous offre un indie rock aux influences extrêmement métissées : une touche de punk par ici, un peu de country par là, du glam et une dose de brit-pop nonchalant pour faire bonne mesure. Le résultat n’impressionne peut-être pas par son originalité, mais la formation nous offre des compositions solides interprétées avec classe et brio. Au sein d’une scène musicale remplie d’émules d’Arcade Fire écrivant une musique pseudo-angoissée par trop sérieuse, nous saluons tout spécialement l’optimisme de Hands And Knees et leurs chansons dynamiques et accrocheuses, authentiquement pop.

À l’exception d’une ou deux pistes, l’album est également d’une qualité très constante. Voici trois chansons qui nous ont particulièrement conquis : You Got Pop, You Got Style est une des plus enlevantes du disques, oscillant entre des couplets aux guitares désaccordées et un refrain rythmé; We Are The Man Who Cannot Fly nous rappelle beaucoup The Clash avec ses rythmes ska; Blue Day Moon enfin, plus mignonne, nous laisse entrevoir un côté plus lyrique du groupe. Pour plus d’informations, nous vous invitons à visiter leur site internet au www.handsandknees.net.

La musique de Guyer’s Connection, souvent épurée à la limite du dépouillement, fascine par ses mélodies d’une douce simplicité et d’une subtile mélancolie. Les Loupes, chanson plus expérimentale qu’on retrouve parmi les inédits, constitue peut-être l’exception avec le chant quelque peu plus agressif de Monique M., amie invitée pour l’occasion. C’est toutefois des pièces comme l’obsédante Hé Sabine (également inédite) ou l’instrumentale Pogo Of Techno (en ouverture de Portrait) qui représentent au mieux l’expression à la fois sombre et tendre du groupe. On s’étonne d’une maturité musicale si précoce, où les maladresses mêmes ont un charme suranné. La formation a cessé d’exister en 1985 mais ses membres ont continué à travailler au sein de nombreux projets jusqu’à aujourd’hui, ensemble ou séparément.

Reportons nous quatre ans en arrière, au début de l’été 2005. Le premier album de Franz Ferdinand dominait toutes les chaînes et pistes de danse depuis un an et s’instituait en héraut d’une énième british invasion. Tous les magazines nous promettaient le renouveau du rock anglais et les producteurs recherchaient ardemment le prochain messie, laissant dans leur sillage nombre de disques sans lendemain.

Nous tombons ainsi par hasard, un certain lundi 13 juin, sur un article du journal Voir qui nous annonce la venue d’un quintette de Newcastle : nous n’avions jamais entendu parler de Maxïmo Park mais le concert avait lieu le soir même à La Tulipe, les billets étaient abordables et notre curiosité, piquée. Quelques heures plus tard, nous attendons donc le début du spectacle dans une salle pratiquement vide : nous ne serons qu’une trentaine de chanceux peut-être à voir l’irruption sur scène d’un hurluberlu en costume de dandy, chapeau melon à l’appui. Sans se démonter face à la disparité de l’assistance, Paul Smith et sa bande ont livré une performance survoltée et inoubliable, enchaînant tous les tubes accrocheurs de deux minutes qui composent leur premier album, A Certain Trigger. L’énergie de Maxïmo Park fut en tout cas communicative et le public maigre mais vaillant d’applaudir sans relâche pour un premier rappel (entendu avec le gars des vues), un second plus surprenant (on nous offre deux b-sides obscurs) et même, chose rarissime, un troisième : “Well, we have already played all our songs…” . Et d’enchainer avec leur principal succès Apply Some Pressure pour la deuxième fois de la soirée, histoire de nous calmer enfin.

Nous en ressortîmes ainsi repus, un exemplaire de A Certain Trigger sous le bras, disque qui allait souvent occuper notre stéréo dans les mois à venir. Le groupe avait en effet réussi à atteindre un son qui, bien qu’apparenté à celui d’autres formations contemporaines, leur était propre, mitigeant brit-pop et racines punk (on pense ici surtout à The Jam). Les arrangements étaient originaux et témoignaient d’une rare recherche rythmique, assortie de progressions harmoniques et mélodiques souvent surprenantes mais toujours accrocheuses. Comme nombre de compatriotes cependant, Maxïmo Park n’ont hélas pas su soutenir cette intensité et cette urgence dans leurs albums suivants : Our Earthly Pleasures (2007) était notablement moins réussi même s’il nous a offert des perles comme Russian Litterature; quant à Quicken The Heart (2008), il fut carrément décevant. Peu importe, leur premier effort restera quand même pour nous un classique, assorti de souvenirs et à recommander chaudement : pour vous appâter, nous vous proposons la déjà mentionnée Apply Some Pressure, de même que les excellentes Once A Glimpse et The Night I Lost My Head. Bonne écoute !

Ensuite, en musique, permettez-nous de vous présenter aujourd’hui un groupe que nous avons découvert cet été en première partie du concert des New York Dolls. Difficile contrat évidemment que d’ouvrir pour un tel groupe à la stature légendaire, mais Black Joe Lewis & The Honeybears ont relevé le défi avec panache, à coups de riffs et de rock’n'roll : une performance hautement énergique culminant avec l’apparition de Sylvain Sylvain lui-même en guest star sur une de leurs chansons.

L’histoire de Black Joe Lewis est à l’image de sa musique, All-American. En 2007 encore, il travaille dans un pawn-shop au Texas, grattant quelques vielles guitares disponibles à temps perdu. Et d’un bar open-mic à l’autre, puis d’un festival à l’autre, il devient l’étoile montante de la musique soul américaine, et publie un premier album cette année. Ayant aussi bien assimilé ses classiques (Little Richard est une référence évidente) que certaines influences plus récentes (un son garage plus sale à la Gories) Tell’ em What Your Name Is! nous offre dix chansons du plus pur rythm’n'blues. Les Honeybears fournissent en outre un talentueux support musical de circonstance, cuivres à l’appui. Un seul bémol, adressé à la compagnie de disques : si vous mettez en vente des vinyles avec une option de téléchargement numérique, au moins assurez-vous que l’offre est valide au Canada… Nous vous laissons ensoleiller votre journée avec deux extraits de l’album, Big Booty Woman et Boogie.

Le choix de trois chansons à vous proposer s’avère ici une tâche assez ardue, Moderne étant un disque d’une rare constance. Pas de hits survoltés ici, mais des pièces écrites avec talent, empreintes d’une grande nostalgie. Des textes poétiques (À la recherche des dernières capitales / Pour s’offrir à leurs caresses de métal) et une production électronique impeccable (l’album fut enregistré dans les mêmes studios que Man Machine de Kraftwerk) sont au service de la douce voix de Thierry Teyssou qui nous emporte de piste en piste. Contrairement à plusieurs de leurs compatriotes contemporains auto-produits dans des conditions sub-optimales, la qualité vocale ne semble heureusement pas être ici en option, tant au niveau de l’enregistrement que de l’interprétation. Voici donc Électronique, Vers l’est et Rock’N'Roll Star pour le plaisir de vos oreilles. Pour les fans, Minimal Wave vient tout juste de publier une réédition des deux albums en vinyle, disponibles en commande limitée sur leur excellent site que nous vous invitons à visiter.

Des trois groupes que nous vous présentons aujourd’hui, Absolute Body Control ont sans doute adopté la démarche la plus radicale avec leur Baby’s On Fire (1981) glacée et électronique. Tirée de leur premier album éponyme, la chanson évacue toute la langueur des inflexions de Brian Eno au sein d’un cynisme robotique. Le pionnier de la cold wave française Charles De Goal nous présente quant à lui sur son album Algorythmes (1980) une Hang On To Yourself où la distorsion des guitares de Bowie laisse place à un son sec et cru façon The Cure 1979. Le groupe Bauhaus enfin, qui se passe de présentation, est passé maître dans l’art des reprises avec notamment la célèbre Ziggy Stardust. Nous préférons toutefois vous offrir aujourd’hui la moins usée Telegram Sam, où la bande de Peter Murphy s’attaque à T. Rex de manière encore plus théâtrale, si possible.

Krug et ses comparses nous proposent un rock indie à forte tendance progressive et qui a l’heureux avantage de s’inspirer plus du glam rock que de lancinantes ballades folk. La comparaison avec des groupes comme Arcade Fire semble inévitable, mais là où leurs collègues mystiques tombent parfois dans la déprime ou la prétention, Sunset Rubdown réussit toujours à garder un enthousiasme communicatif et jovial. En comparaison avec leur album précédent (Random Spirit Lover, 2007) où des perles comme l’irrésistible The Mending Of The Gown cotoyaient de longues expérimentations sonores parfois fort confuses, Dragonslayer est beaucoup plus clair, dirigé et accessible. Apparentées à la fois à la vieille Angleterre et au XXIe siècle, les mélodies et progressions harmoniques de Krug se distinguent toujours par une approche modale teintée de médiévalisme, donnant à certaines chansons un caractère hors du temps. La distorsion des guitares arrive cependant toujours à point pour nous empêcher de sombrer dans la nostalgie, gardant la musique au sein d’un équilibre précaire, parfois avec quelques longueurs, parfois de manière très touchante.

Trois pistes illustrent magnifiquement cet album : la très belle Silver Moons, la très pop Paper Lace et la très épique Nightingale / December Song. Le groupe et ses virtuoses divagations musicales vous attendent en concert pour deux soirs cette fin de semaine, nous vous invitons évidemment à ne pas manquer l’occasion si vous êtes à Montréal.

Sunset Rubdown avec Elfin Saddle et The Witchies
11 et 12 juillet au Il Motore (179 Jean-Talon O.), 15$

Weaving Hands ouvre le premier album éponyme, paru en 1981. Ajoutées au chant angoissé de Dirk Ivens (qui sonne comme la réincarnation d’un Ian Curtis), la production lo-fi et la mélancolie des mélodies confèrent à cet opus un côté résolument sombre. Un an plus tard parait Numbers, un deuxième album à caractère plus expérimental : de nature entièrement instrumentale, les pistes de la cassette sont simplement numérotées de 01 à 16. La collection est forcément inégale, quelques “chansons” étant parfois un peu trop minimales : l’auditeur attend en vain que la pièce réalise son plein potentiel. D’autres pistes sont par contre de véritables petites perles, telles que 04 que nous vous présentons ici.

Absolute Body Control revient à des composition plus traditionnelles pour une dernière parution originale, Figures (1983). La production est ici plus léchée; les arrangements et les textures, plus complexes et subtils. Plusieurs titres valent ici le détour et nous vous offrons Love At First Sight, gothique et désespérée à souhait. Les cassettes sont évidemment aujourd’hui quasi introuvables : pour les fans absolus toutefois, Vinyl On Demand on fait paraître il y a deux ans une intégrale de leur œuvre sur cinq disques vinyle; pour les autres, le deuxième album est disponible en téléchargement sur Systems Of Romance.

Plus près de nous et au-delà des évidentes comparaisons à faire avec Interpol ou Stellastarr*, Apteka nous surprennent favorablement par leur rare ressemblance avec le groupe britannique Supergrass. Les refrains de chansons telles que She Is Riots ou Cicada Song semblent tout droit sortis de In It For The Money (1997), avec leur avalanche de guitares et le chant affecté aux inflexions si glam. Au contraire de certains autres groupes se spécialisant dans le côté sombre voire dépressif de la musique, ce trait confère aux pièces des Chicagoans une exubérance rafraîchissante, assortie d’un visuel recherché. En plus des deux chansons cités plus haut, nous vous joignons également une troisième, It’s A Wilderness. Pour plus d’informations vous pouvez visiter leur site officiel au www.aptekamusic.com.

Le groupe – dont le nom complet est El Aviador Dro y sus Obreros Especializados (“L’Aviateur Dro et ses ouvriers spécialisés”, un hommage au poète futuriste Francesco Balilla Pratella) – est fondé vers 1979, mais ce n’est qu’en 1982 que paraît un premier 7″ officiel, La Chica de Plexiglas. Nul ne voulant éditer ces jeunes hurluberlus, Aviador Dro se tourne vers l’autoproduction et fonde sa propre compagnie de disques (D.R.O.) qui deviendra le plus grand label indépendant en Espagne. S’ensuit une longue et brillante carrière qui se poursuit encore aujourd’hui, marquée par de nombreux changements de formation et une évolution du style musical rappelant quelque peu celle de Depeche Mode : avec les années, le groupe passera d’une pop mignonne à une maturité plus sombre, plus rock et flirtant avec l’industriel.

Difficile évidemment de faire un choix dans l’abondante discographie (plus de 20 parutions), d’une grande constance. Pour vous faire découvrir différentes facettes du groupe, voici trois titres représentatifs : Programa en espiral (1982), leur quatrième single, est une très jolie chanson illustrant le côté naïf et ludique de leurs premières compositions; un an plus tard, Baila la guerra (1983) nous propose un hymne new wave d’une énergie hautement communicative, au propos futuristes; enfin, entre The Clash et Magazine, La unica solucion es la venganza (1986) démontre l’héritage punk de Aviador Dro. Une discographie très complète (et illustrée) peut-être consultée ici : http://www.aliencenter.de/nuclearsi/en_indexdiscografia.htm.

La “marche” en question est un succulent morceau de musique sombre, absurde et loufoque, qui saura sans doute plaire aux amateurs des iconoclastes Tiger Lillies. Dans le même style cabaret quelque peu déjanté, Moore nous déclame d’une voix sépulcrale et passionnée sa profonde haine des canards. Vous les trouviez doux et mignons ? Entrez dans un univers où ces petits animaux fument des cigares en manteaux noirs, tout en vous épiant dans l’obscurité avec des petits yeux déments. La réputation de la prose d’Alan Moore n’étant plus à faire, nous vous joignons ci-dessous le texte entier de la chanson, d’une grande qualité. D’ailleurs, même si la pièce titre retient principalement l’attention, les deux chansons qu’on retrouve sur ce 7″ valent la peine d’être découvertes, le b-side (Old Gangsters Never Die) étant une longue ballade obscure et désespérée rappelant énormément le style lyrique de Nick Cave. Quack, quack !

Everyone thinks they’re such sweet little things
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Soft downy feathers and nice little wings
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
But there’s a poison I’d like to administer,
You think they’re cuddly but I think they’re sinister.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!

What are they doing at night in the park?
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Think of them waddling about in the dark.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Sneering and whispering and stealing your cars,
Reading pornography, smoking cigars.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!

Nasty and small undeserving of life.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
They smirk at your hairstyle and sleep with your wife.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Dressed in black jackets and horrible shoes,
Getting divorces and turning to booze.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!

Forcing old ladies to throw them some bread.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Who could deny they’d be better off dead?
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Look closer and you may recoil in surprise,
At web-footed fascists with mad little eyes.
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!
Ducks, Ducks! Quack, Quack! Quack, Quack!

Il en a résulté une série de singles et albums qui ont jalloné toute la décennie 1980, créant pour Siglo XX un culte certes restreint mais très suivi. Nous vous présentons ici trois chansons tirées de leur première période, qui fit l’objet d’une compilation intitulée Re-Released 80-82 (1984). Musicalement, le groupe nous propose un post-punk très froid et nihiliste, qui rappelle beaucoup les premieres oeuvres de Joy Division (le EP Warsaw) ou de The Cure (Three Imaginary Boys). Une instrumentation acoustique réduite et épurée, des rythmes et mélodies minimalistes, une voix dont le désespoir se perd dans la réverberation lo-fi : un son et une charge émotive qui ont étonnamment peu vieilli.

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On gagne toutefois à explorer plus avant la création musicale du groupe qui, bien qu’inégale, renferme plusieurs titres dignes d’intérêt. Nous vous présentons ainsi aujourd’hui deux pistes tirées de leur unique album éponyme Grauzone (1981) : Film 2 et Wütendes Glas. Notons au passage que la chanson Eisbär n’apparaissait pas originalement sur l’album, mais a été rajoutée lors d’une réedition en 1991; ces deux parutions étant aujourd’hui discontinuées, les amateurs peuvent se procurer la musique de Grauzone sur Die Sunrise Tapes (1998), une compilation réunissant plus ou moins l’ensemble de leur oeuvre, albums et singles compris. Wütendes Glas (littéralement – “Le verre en colère”) est une chanson énergique avec un côté beaucoup plus rock, qui aurait pleinement mérité le statut de single. Comme chez D.A.F., la ligne de basse robotique contraste ici avec un chant assez agressif. Prêtez aussi l’oreille aux multiples percussions saturées d’effets de delay qui ponctuent le centre de la chanson et font office de “solo”, la réalisation en est remarquable d’inventivité et de dynamisme. Quand à Film 2, il s’agit d’une pièce instrumentale hautement répétitive où les différents instruments et bruits se superposent en couches successives, apparaissant et disparaissant progressivement au gré de subtiles variations de volume. Il en résulte un effet sombre et lancinant d’une puissance surprenante vu de l’économie de moyens.

Musicalement, les arrangements et les compositions de Sirkis reviennent ici à des racines plus rock après les sonorités plus électroniques de Paradize (2002) : les synthétiseurs se font plus rares et les guitares adoptent un son grinçant où la distorsion est moins ultra-saturée. Comme le clame le chanteur à qui veut l’entendre, cet album « joyeux et désespéré » (selon ses propres mots) se veut plus sérieux avec la thématique de la Première Guerre mondiale en fil conducteur. Hors de question pourtant pour Nicola Sirkis d’abandonner ses obsessions juvéniles : ambigüité sexuelle (Moi quand j’étais adolescent, j’ai essayé les vêtements de ma mère) ou amours lesbiennes (L. World) sont toujours au rendez-vous. Du Indochine comme on l’aime finalement, avec qualités et défauts.

Qui dit popularité croissante dit adaptation cinématographique (convenue) et, ce qui nous intéresse tout particulièrement, une édition en livres audio. On décide alors de faire appel à nul autre que Stephin Merritt, l’illustre homme-orchestre à la barre des Magnetic Fields, pour écrire les chansons thèmes accompagnant chaque livre : les Gothic Archies, un de ses multiples projets, sont reconstitués pour l’occasion, comptant notamment au nombre des musiciens l’auteur Lemony Snicket lui-même à l’accordéon.

Le résultat de cette collaboration a heureusement fait l’objet d’un disque-compilation de 15 pistes (The Tragic Treasury : Songs from A Series of Unfortunate Events, 2006), dont le caractère hétérogène rappelle beaucoup le travail de Merritt sur 69 Love Songs : comme sur le célèbre album triple, on retrouve ici quelques perles au sein d’une collection certes quelque peu inégale mais toujours intéressante. Au niveau musical, la voix grave immédiatement reconnaissable du chanteur et ses mélodies typiques adoptent ici une influence un peu plus cabaret, particulièrement évidente sur des chansons comme Freakshow, une des plus amusantes du disque. Les paroles du disque entier sont d’ailleurs souvent très drôles, toujours intelligemment écrites, avec en prime toutes sortes de références semées ici et là pour gothiques avertis  (« To gothic we are archies / To archies we are goth / No Satan-worshippers are we / We worship Yog-Sothoth »). Bonne écoute !

Call Call et une version actualisée de Worked Up So Sexual (plus sombre que l’originale) ont comblé les fans de la première heure. L’excellent deuxième album Danse Macabre (2003) a permis à la foule de se déchaîner sur Glass Dance et Agenda Suicide (en finale grandiose) en plus de nous fournir la surprenante The Conductor. Wet From Birth (2004) a également donné lieu à une sélection éclectique allant de la ballade quasi-métal (Birth) au hymne disco-punk (une Paranoiattack scandée par la foule), en passant par plusieurs succès comme I Dissapear. Notons au passage la volonté (justement récompensée) du groupe déjouer toute la musique live, remplaçant sans peine le violoncelle sur Desperate Guys ou Southern Belles In London Sing par des lignes de synthétiseur envoûtantes.

Cette sélection musicale sans faute ne serait évidemment rien sans une présence scénique incroyable de la part du groupe entier : la scène semblait notamment trop petite pour l’énergie du chanteur Todd Fink et les déhanchements du clavièriste Jacob Thiele. De très belles projections artistiques venaient en outre compléter un visuel marqué par des éclairages efficaces (sans être aussi désagréablement éblouissants que ceux de Ladytron en deuxième partie). La présence de ce deuxième groupe est justement un des seuls bémols qu’on pourrait apporter à ce concert, avec peut-être le choix discutable de la salle. Si l’ingénieur du son de The Faint réussit à rescaper quelque peu l”acoustique épouvantable du Théâtre Telus, la musique de Ladytron fut réduite à une agression auditive composée de basses fréquences montées à des volumes difficilement supportables et des aigus cinglants. Une performance scénique peu inspirée de la part du groupe, des fausses notes à profusion pour les chanteuses et un clone de Mickey Rourke dans le rôle d’un batteur qui défonçait aveuglement sa batterie comme s’il était dans un concert de Def Leppard en 1988 viennent compléter le tableau d’un spectacle parfaitement oubliable.

Pour finir, voici une curiosité à propos de The Faint : saviez-vous que la musique de la très belle Southern Belles In London Sing n’est pas complètement originale ? Elle est reprise d’une chanson du groupe new wave B-Movie intitulée Remembrance Day. Cette pièce est tirée de leur unique album, Forever Running (1984), malheureusement plutôt décevent en dehors de cette chanson et du single à succès Nowhere Girl. Nous vous proposons aujourd’hui les deux pistes côte à côte pour votre plus grand plaisir.

Comme plusieurs autres groupes underground de l’époque, Oppenheimer Analysis n’ont presque pas fait parâitre de matériel de manière commerciale durant leur courte existence : l’essentiel de leur production musicale se retrouve sur une cassette demo vendue durant leurs concerts et par correspondance. Intitulé New Mexico, cet “album” a tout de même réussi à obtenir un accueil critique favorable de la part de quelques magazines spécialisés et finit par se retrouver en rupture de stock. Sur les treize chansons disponibles, trois retiennent particulièrement l’attention : la douce et mélancolique Scorpions, la visionnaire Modern Wodern aux proportions épiques, et bien sur The Devil’s Dancer, leur principal succès. La musique d’Oppenheimer Analysis est envoutante, tout comme leurs paroles au caractère très littéraire (And here we lie in disarray, Surrounded by the present day, All this Modern Wonder, Ripped our lives asunder). Pour plus d’informations sur le groupe, visitez leur site officiel au www.oppenheimeranalysis.com.

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C’est toutefois de leur dernier album, paru l’an dernier après une longue abscence, que nous vous parlerons aujourd’hui : We Have You Surrounded (2008) est en effet remarquable par sa capacité à conjuguer une énergie brute qui rappelle les premiers enregistrements des Gories avec une coté pop et immédiatement accrocheur. Wreck My Flow est ainsi dansante à souhait, faisant le bonheur des clubs depuis sa sortie; c’est cependant au sein des chansons plus sombres qu’on retrouve quelques curiosités fort intéressantes.

Le premier titre valant le détour est Sherlock Holmes, une reprise des Sparks qui enregistrèrent la version originale en 1982 sur leur album Angst In My Pants. Se mesurer au chant à la fois si glam et si tendre de Russel Mael n’est pas chose aisée et Collins s’en tire très honorablement, supporté par une instrumentation où des guitares au son sale remplacent les nappes de synthétiseur mélancoliques. Leopardman at C&A est encore plus particulière, étant une des rares chansons écrites par Alan Moore, le dessinateur bien connu de romans graphiques (Watchmen, V for Vendetta). Moore a initalement écrit cette chanson pour David J., le bassiste de Bauhaus, avec qui il a brièvement formé un groupe en 1980. Les célèbres gothiques anglais n’ont cependant jamais eu l’occasion de l’enregistrer avant leur séparation, et la chanson est restée sur les tablettes durant presque trente ans. La version des Dirtbombs est heureusement excellente, avec des riffs et solos désacordés de guitare dont n’aurait pas à rougir Daniel Ash, et un abus de réverbation sur la voix pour un effet “Peter Murphy 1979″ instantané. “Who are these shadows in my way?”. Bonne écoute.

Cette chanson, tout comme Als wär’s das letzte Mal (Comme si c’était la dernière fois), est tirée de Alles is Gut (1981), leur troisième album et le premier où apparait dans sa version définitive le son minimaliste caractéristique de D.A.F.. Les deux membres fondateurs Gabriel Delgado-López (chant) et Robert Görl (batterie) ont alors abandonné leurs collaborateurs en même temps que le style noise/expérimental de leurs premiers disques au profit d’une esthétique épurée où seuls une ligne de basse au synthétiseur et une batterie robotique font contraste avec un chant d’une grande violence expressive. Après une séparation en 1983, D.A.F. se sont reformés pour un nouvel album en 2003, vingt ans après; leur oeuvre a entre-temps exercé une influence durable sur l’évolution de la musique techno ainsi que sur des sous-genres tels le dance-punk ou l’électroclash.