Demain soir, c’est quatre groupes live et de la musique dansante de circonstance avant et après qui nous attendent au Jackie & Judy, petite salle intime à deux pas du Mile-End. Automelodi, bien sûr, sont de la partie avec le matériel de leur premier album éponyme (2010), encore peu entendu à Montréal. Une performance à domicile avant de s’envoler pour les lointaines contrées texanes pour porter les couleurs locales à SXSW. Notons aussi la présence de Frank (Just Frank), groupe franco/new-yorkais dont nous vous avons déjà parlé ici en à l’occasion de la sortie de leur split EP sur l’étiquette italienne Mannequin. Il s’agit de la première venue du trio qui, on l’espère, nous envoutera avec ses mélodies synthétiques teintées de mélancholie post-punk façon The Cure. Deux groupes joignant Montréal et Vancouver complètent l’affiche, Cosmetics (Captured Tracks) et Brusque Twins (Visage Musique) : deux autres propositions bâties à coups de drum machines robotiques et synthétiseurs vintage.

Cosmetics, Automelodi, Brusque Twins et Frank (Just Frank)
Soirée dansante animée par DJ Permanent Wave Fred
3 mars au Jackie & Judy (6512, avenue du Parc), 8$

Affirmons-le tout de go : Hardware ressuscite les fantômes. La culture musicale futuristico-rétro d’Agent Side Grinder s’étale tous azimuts, et les clins d’oeil abondent. Première influence, si indiscutable qu’elle va même jusqu’à être revendiquée par le communiqué de presse : Depeche Mode. Vu la lourdeur des pulsations rythmiques, on ne parle pas ici du son sautillant qu’affectionnait la bande de Martin Gore au début des années 1980, mais bien de l’électro-rock sale et touffu des années 1990. “I’ve heard a rumor”, chantent Agent Side Grinder en ouverture de Wolf Hour, un morceau à la mélodie précieuse : les initiés auront saisi. L’empreinte musicale de Depeche Mode se fait ainsi sentir sur la quasi-totalité des pièces de Hardware. Mais l’hommage peut se révéler être à double tranchant : si Sleeping Fury évoque la puissance de Songs Of Faith And Devotion et d’Ultra (ou même de quelques titres de Dave Gahan solo et dans ce cas-ci, c’est un compliment !), certaines pièces plus tranquilles renvoient à la mélancolie un peu morne d’Exciter et des albums subséquents.

Agent Side Grinder ne se refont pas : leurs chansons s’étirent un peu en longueur, elles sont intensément dramatiques (on frise parfois la caricature sur Bring It Back), parsemées de bruits inventifs, de beats hypnotisants et d’harmonies orientalisantes (sur Look Within) bien dark. Le chant, toujours à forte tendance gothisante, est encore plus agressif. Un petit bémol toutefois : à trop singer ses idoles, surtout lorsque ce sont de véritables légendes, on s’expose au mieux à un certain manque d’originalité, au pire à un petit parfum de plagiat. Si l’épopée électronique Mag 7 respire et transpire Kraftwerk, Pyre, quant à elle, rappelle de manière terrifiante le son pourtant caractéristique de Love And Rockets - langueur lourde des basses et manège aérien de voix spectrales. Dans le cas de l’ultime piste Stranger Stranger, c’est plutôt du côté de New Order qu’il faudrait chercher, une influence que nous avions déjà notée. Encore une fois, ce ne sont pas les débutants légendaires qui nous viennent en tête, mais plutôt le groupe vétéran de Get Ready (2001). Bref, beaucoup de monde au portillon, et pourtant l’ensemble se tient très bien.

Ci-joints deux extraits de  Hardware. Le premier single, Wolf Hour, est réalisé en collaboration avec Henric de la Cour : appréciez les voix mêlées des deux chanteurs en guise de bouquet final. Autre coup de coeur, Sleeping Fury, terriblement entêtante et efficace.  Aussi pointu qu’accessible, ce troisième album représente pour Agent Side Grinder une occasion en or de conquérir un plus vaste marché, et même peut-être de traverser l’Atlantique pour une première fois !
asg_wolfhour.mp3Agent Side Grinder – Wolf Hour
asg_sleepingfury.mp3Agent Side Grinder – Sleeping Fury

Duo essentiellement électronique, Doxa Sinistra s’est adjoint pour cette dernière incursion en studio les services des deux guitaristes du projet expérimental hollandais Det Wiehl. Une brillante idée, qui ajoute une touche de punk déjanté façon East Village à une proposition autrement bien sombre et gothique. Stylistiquement, le disque oscille entre un industriel progressif et de la musique qu’on pourrait pratiquement qualifier d’électroacoustique. Les pistes, noyées dans une distortion permanente, alternent ainsi entre des “chansons” et des montages sonores de bruits divers entremélés de citations radiophoniques ou télévisuelles. Si nous avions qualifé leur premier disque de froid et glacé, force nous est de raviser ce jugement pour le troisième, qui se révèle d’une aggressivité continue. Qu’elles soient démesurément lentes (la chanson titre Newsflashes ou la lancinante The Sky Is The Limit) ou frénétiques, les constructions sonores dégagent une énergie qui transcende leurs aspects expérimentaux. Cette énergie se dévoile d’ailleurs autant dans des morceaux épiques comme les huit minutes de Il Spirito Di Sergio Leone que lors des deux minutes d’une International Cycling Sport.

Trois chanson se détachent de l’ensemble par leur caractère plus accessible et adapté à une piste de danse – piste underground il va sans dire. Media Bomb reprend efficacement une construction minimale à base de séquence de MS-20 popularisée par D.A.F., en lui appliquant un traitement électro-industriel: une formule gagnante qui devance les Adult de ce monde d’une bonne quinzaine d’années. Swindle et ses riffs punk nous donne une très bonne approximation de ce qu’on obtiendrait de Tom Waits si ce dernier se mettait à l’industriel. Quant à Cocoon World, elle nous entraine langoureusement à travers une épopée de voix distortionnées et de guitares désacordées.

Notons au passage que le communiqué de presse spécifie que la pochette est “imprimée en couleurs Pantone Neon, auxquelles les reproductions (à l’écran) ne rendent pas justice”. Amateurs de rose vraiment rose, à vos portefeuilles.

ds_mediabomb.mp3Doxa Sinistra – Media Bomb
ds_swindle.mp3Doxa Sinistra – Swindle
ds_cocoonworld.mp3Doxa Sinistra – Cocoon World

Le spirituellement nommé Synthimental Love Songs d’Ende Shneafliet, est le plus accessible des deux disques. Compilation plutôt que réimpression exacte d’un album existant, cette parution regroupe des pistes originalement enregistrées sur cassette entre 1981 et 1983; elle fait également suite à une première redécouverte de l’oeuvre du groupe hollandais amorcée en 2006 par Enfant Terrible, un double LP intitulé Twistin’ On The Tombstones (aujourd’hui épuisé). Après la fin de la collaboration entre les deux étiquettes (voir notre entrevue avec Enfant Terrible ici), Trumpett complète ainsi l’intégrale.

Musicalement, Ende Shneafliet se présente ici comme un curieux mélange de sonorités bizarroïdes et des mélodies mignonnes au charme simplet – un croisement entre Gorrila Aktiv et Guyer’s Connection, en quelque sorte… Les pistes, souvent instrumentales, conservent généralement une structure s’approchant de celle d’une “chanson” malgré une composition faisant la part belle aux bruitages particuliers. Statut de compilation oblige, l’album est assez éclectique et alterne des ambiances sonores variées sans pour autant perdre une certaine unité de ton. Alors que My Mother Sells Tupperware (!) en ouverture, ou la classique Symphoy Romant (J. Tesla Schnitt) explorent les territoires désormais familiers de la cold wave aux tendances minimales, Poison étonne par ses aspects industriels. Même curiosité du côté de Twistin’ On The Tombstones, sorte de proto-électro fortement compressé, un type de production assez rare au début des années 1980, qu’on retrouvait aussi par exemple chez Busy P (Rainbow Man). Quelques pistes plus ambiantes (Air Zaïre, Voices Of The Dead) complètent enfin un tableau aux touches nostalgiques, qui mérite qu’on s’y attarde.

Limité à 320 copies, le disque est disponible depuis novembre chez les distributeurs habituels, dont Enfant Terrible, Mannequin et Anna Logue.

es_poison.mp3Ende Shneafliet – Poison
es_symphoy.mp3Ende Shneafliet – Symphoy Romant (J. Tesla Schnitt)

Portant bien son nom, le groupe nous propose une musique authentiquement gothique, rejoignant une certaine résurgeance du genre musical: parfois considérée comme ringarde dans les années 2000, la musique gothique, portée par les succès de nouveaux porte-étendards tels The Soft Moon, effectue en effet un retour en grâce récent aux yeux de la critique. Et si le genre avait, dans les années 80, souvent été associé à une esthétique romantique (les frontières avec la new wave ou les “nouveaux romantiques” sont d’ailleurs souvent floues), sa mouture 2010 est souvent froide, se réclamant des ambiances glacées de la cold wave.

Ces prises de position musicales et l’esthétique vaguement S&M réminescente de D.A.F. ne sauraient d’ailleurs étonner, les membres de Der Noir ayant tous officié au préalable dans des formations allant de l’industriel au black metal. Intitulé A Dead Summer, ce disque constitue ainsi une aventure résolument plus calme pour Manuele Frau (voix), Manuel Mazzenga (guitare & basse) and Luciano Lamanna (drum machines, synthétiseurs). Les pistes sont généralement composées sur un mode planant, exploitant des superpositions de nappes de synthétiseurs et de guitares noyées dans des effets de révérbération et de délai. Si elle est envoutante, cette production s’avère quelque peu uniforme, et si des pistes comme les intenses Private Ceremony et Stranger’s Eye ou la plus électronique Dead Summer ressortent du lot, d’autres telles Lontano Dalle Rive, Cosa Vedo ou Clouds of 86 manquent parfois d’énergie et personnalité.

S’il maitrise ainsi admirablement ses ambiances noires, le groupe pêche hélàs un peu par manque d’originalité, les références à Depeche Mode (période Exciter), Bowie (les rythmes hachés évoquant fortment Outside ou Heathen), The Cure ou tant d’autres étant parfois trop évidentes. Sachant toutefois bien s’entourer, le groupe a notamment requis les services de Newclear Waves (projet d’Alessandro Adriani, l’homme derrière Mannequin) et Mushy pour le premier extrait: quelques pulsations de synthétiseur bien placées et des voix fantômatiques donnent ainsi vie à Another Day, que nous vous offrons ici en téléchargement. Saluons également au passage la réalisation léchée employant entièrement de l’équipement analogique vintage, ainsi que l’esthétique de la pochette et son joli mannequin au contraste sans visage.

Kord, en ouverture et en conclusion du disque, constituent la proposition la plus ouvertement dansante: drum machines bien en évidence, mélodies accrocheuses et vocoder s’allient pour  créer un son new wave  qui touche presque au disco. Si l’influence d’Alphaville se fait sentir sur I, Sexuality, c’est un minimalisme à la New Order, répétitif mais obsédant, qui donne son énergie à Dr. Svend (offerte en écoute). Monster Apparat suivent avec un son décidément plus robotique, typique de la mouvance minimal wave des dernières années. Leurs pistes sont baties autour d’un squelette épuré basse/percussions auquel s’ajoutent plusieurs sons et bruitages variés, accompagnés de voix en arrière-plan révérbérées. Des deux pistes se démarque particulièrement Music Is Art, Not Fashion avec ses paroles scandées avec une agressivité tendant vers le punk. Les deux chansons au centre du disque (organisé en cercles concentriques) sombrent quant à elles dans le gothique électronique lent et lancinant de Adolf Filter. Klyftan Stor n’aurait pas fait tâche sur Black Celebration de Depeche Mode alors que Cherbar s’apparente à du Kraftwerk vieilli en crypte. L’esthétique et la noirceur sont d’une épuration classique: des trois groupes, c’est celui qui se rapproche le plus des habitudes plutôt dark d’Enfant Terrible.

D’un tirage limité à 320 copies, le disque est maintenant en un mois presque épuisé. Nous conseillons aux amateurs de se dépécher avant que ne disparaisse cette belle occasion de découvrir des sons nordiques underground: un territoire peu exploité où Svensk Bonnasynth s’inscrit en héritière de compilations classiques telles Maskindans.

kord_drsvend.mp3Kord – Dr. Svend

Né en 1950 à Manchester, P-Orridge se fit tout d’abord connaître à la toute fin des années 1960 par le biais du COUM, un collectif d’artistes ne jurant que par Dada. Après le scandale de l’exposition Prostitution (1976) et ses sculptures en Tampax usagés, une presse britannique particulièrement inspirée les qualifie d’une épithète célèbre :  ”wreckers of civilization”. Mais P-Orridge est déjà ailleurs… sur les cendres du COUM naît le nouveau projet de Throbbing Gristle. À peine cinq ans d’activité officielle et quelques come-backs pour l’un des premiers groupes de “rock” industriel (“Il n’y avait que nous et Cabaret Voltaire dans la section chez les disquaires”), mais un rayonnement quasi mythique, évidemment. Parallèlement, P-Orridge fondera un autre groupe, Psychic TV, et participera à des projets artistiques par dizaines. Au tournant des années 1990, le musicien rencontre Lady Jaye Breyer, performeuse et dominatrice à ses heures, figure pilier des nuits d’Alphabet City : un amour entier, évident, bruyant, total. Ces deux-là vont faire de leur vie commune une véritable oeuvre d’art. À la fois fascinés et révoltés par le concept de genre sexuel, ils refusent les “limitations” qui en découlent : ils n’auront pas d’enfants mais élaboreront un être nouveau à partir de leurs deux corps, un être mythique évidemment inspiré de l’androgyne de Platon, mi-homme mi-femme, et d’autant plus puissant et redoutable. À grands coups de costumes, de thérapies hormonales et de chirurgies esthétiques naîtra ainsi le “pandrogyne”, création d’amour pur hautement transgressive.

Face à l’énormité d’un tel sujet, Marie Losier se fait discrète. La ballade de Genesis et Lady Jaye ne tient ni du freak show, ni de l’intriguant cas psychiatrique. Il s’agit plutôt d’un portrait intimiste et déchirant de deux êtres touchés par la grâce de l’amour et tragiquement fauchés dans leur bonheur : Lady Jaye est décédée d’un cancer en 2007. Le titanesque travail de montage est parsemé de petits éclats de véritable folie visuelle… et bien entendu de musique, beaucoup de musique !

L’oeuvre musicale de Genesis P-Orridge se caractérise par deux influences fondatrices. Tout d’abord Dada et son amour de l’absurde, son goût pour la provocation et les détournements de sens, ses approches humoristiques, iconoclastes. Ensuite la mythique technique du “cut-up”, héritée des expérimentations surréalistes et des écrits de William S. Burroughs, où toute matière créative se retrouve découpée, détruite, mélangée, superposée, accumulée… ainsi va le son organique, métallique, agressif et toujours inventif de Throbbing Gristle. À une époque où l’emploi des synthétiseurs relevait souvent de la science-fiction, TG pour les intimes bidouillait en toute liberté : sampling, distorsions, ultrasons parfois à la limite du supportable, loops entêtants et hypnotiques, le tout dominé par le spoken word étrangement raffiné de P-Orridge. Deux exemples, disons… écoutables : le classique United du premier album Second Annual Report (1977) et His Arm Was Her Leg du plus récent Assume Power Focus (1995). Pourtant paru à la suite de la “dissolution” de TG, le premier album de Psychic TV Force The Hand Of Chance (1982) est d’une toute autre essence, pour preuve la ballade Just Drifting avec ses réminiscences poétiques à la Lou Reed.

La réponse à cette question, en dix chansons, offre un spectre musical qui s’est plutôt assagi en présentant peut-être plus de maturité et une écriture plus contrôlée. Ce commentaire ne se veut pas nécessairement un reproche : le quatuor ne semble pas avoir échappé à l’influence croissante que la période 1979-1983 semble opérer sur la musique actuelle, et le style migre du “punk“ vers le “post-“. Les tempos se font souvent plus lents et les synthétiseurs, omniprésents – parfois avec bonheur (la séquence de basse de L’Ordre des secteurs ou la dernière minute épique de Time To Reiterate), parfois moins (Narcisse). Tubeway Army, Devo et Gang Of Four se révèlent ainsi comme des références évidentes ou, pour les connaisseurs, Gorilla Aktiv ou Palais Schaumburg.

Les pistes sont plus ressérées et s’offrent toutes dans un format de “chansons” traditionnel. Exit donc les éxpérimenations/jams sans structure claire qui jalonnaient le premier opus, de même que la majorité des hurlements désordonnés. Nous saluons ici cette évolution positive, bien que la palette sonore aurait pu être davantage renouvelée : les traitements sur la basse, les synthétiseurs et la voix oeuvrent en effet dans un registre efficace mais limité. Moins agressif et donc plus accessible, l’album offre son palmarès de pistes dansantes et accrocheuses, L’Ordre des secteurs trônant au sommet suivie de près par Antepoc ou la très gothique Substraction of Obedience. Une touche de glam transpire même à travers les accords martelés de Time to Reiterate de même que l’excellente Main District. La sauce se gâte hélàs un brin sur les trois “ballades” du disque : n’est pas Iggy Pop ou Nirvana qui veut, et Gainsbourg (un titre qui aurait pu être mieux employé), S.O.H… et Yellow Pillow tombent un peu à plat. L’énergie semblant toujours être le registre où Duchess Says est le plus à l’aise, l’émotion sera, elle, peut-être au rendez-vous dans trois autres années.

Duchess Says avec Le Monde Dans le Feu
Spectacle-lancement le 13 octobre au Club Soda (1225 Boul. St-Laurent), 15$

Bien que jouant dans les plates-bandes habituelles du compositeur Sean McBride (aussi connu sous le nom de Martial Canterel), le disque apparait immédiatement avoir une beaucoup plus grande cohésion que son prédécesseur, Sentinelle. Des mélodies accrocheuses se déploient au-dessus d’un enregistrement qui délaisse quelque peu les ambiances par trop éthérées, parfois un peu moroses et monotones. Le couple McBride/Wendelbo ayant mis la pédale douce sur la réverbération mur à mur, il se dégage du disque un rythme pop plus soutenu, ce qui en fait leur oeuvre la plus accessible. Leur collaboration fait d’ailleurs montre d’une belle variété, les chansons en duo côtoyant des interprétations solo ainsi que des pistes instrumentales.

Les titres de Sets & Lights affichent une saveur très vintage, qui ne s’explique pas seulement par l’emploi d’équipements et de techniques d’enregistrement d’époque, mais aussi et surtout par l’écriture et de la composition. Un souffle épique estampillé new-wave fait clairement songer au romantisme allemand d’un groupe comme Alphaville, notamment grace aux accords de synthétiseur lumineux et autres arpégiateurs de circonstance. La chanson titre en ouverture est entêtante comme il se doit, succès de dancefloor aux paroles bien gothiques (“And slash their arms, and slash their eyes…”). Une piste expérimentale curieusement située juste après fait place à deux autres chansons hautement énergiques aux basses robotiques, Years Before (que nous vous offrons en écoute en primeur) et Corrupt. Le disque présente bien un passage à vide dans son milieu – nous sommes clairement moins emballés par les influences italo-disco - mais que cela ne vous empêche pas de perséverer afin d’atteindre les trois dernières pistes qui valent le “coup d’oreille”. Desert Rose et Open Walls (en écoute ici et en téléchargement sur The Fader) apportent ainsi en conclusion une jolie touche mélancholique.

xenoandoaklander_yearsbefore.mp3Xeno & Oaklander – Years Before

xenoandoaklander_openwalls.mp3Xeno & Oaklander – Open Walls

Au sein de la pochette, un petit encadré déplore le fait que plusieurs pionniers de l’époque (D.A.F., Soft Cell, Wall of Voodoo, Devo ou New Order pour ne pas les citer) aient répondu par leur silence aux solicitations de A man and a machine. Laissant de côté le matériel plus classique, la compilation a ainsi le mérite d’aller puiser dans un répertoire assez underground merci. Le peu de titres à succès se retrouve sur le premier disque : impossible en effet de passer à côtés de Love & Rockets (No Big Deal), Grauzone (Elsbär) ou les one hit wonders incontournables que sont Warm Leatherette (The Normal) et Money (Flying Lizards). Pour les groupes un peu plus obscurs (Fad Gadget ou Tuxedomoon), on semble s’être tournés vers des titres un peu plus recherchés que les habituels Ricky’s Hand ou No Tears : bien vu ! D’autres noms plus ou moins familiers parsèment les deux albums : Can, Wire, Throbbing Gristle, Trisomie 21, Gina X Performance, etc. Quant à Cabaret Voltaire, il arrive lorsque l’on ne l’attendait plus, c’est-à-dire à la piste 12 du second disque. Étant donné le nombre d’illustres inconnus donnant carrément dans le pastiche sonore du groupe anglais, on ne peut que se dire qu’il était temps ! Et, comme souvent dans le cas des compilations, l’équilibre de A man and a machine est finalement un peu inégal. S’égarant dans des méandres disco-kitsch assez terribles, le deuxième disque peine à maintenir un intérêt constant malgré une ouverture en rythme gracieuseté de Telex : Drama Drama, relecture à peine déguisée de Fame de David Bowie, est signée de la plume des frères Mael, alias les Sparks ! Excusez du peu !

Depuis ce premier volume, signalons que  A man and a machine 2 a vu le jour en février 2010 et que le troisième de la série date tout simplement de ce mois-ci… alors à vos collections !

Compensant par une énergie communicative ce qu’il manque parfois en originalité, le groupe poursuit avec son pot-pourri d’influences au sein d’une démarche cette fois plus assumée, à mi-chemin entre folk américain et pop britannique (on pense aux Courteeners par exemple). Le chanteur, plaidant un retour aux sources en citant Are You Experienced ? de Jimi Hendrix et l’album blanc des Beatles (excusez du peu), avoue avoir voulu concocter un disque ou chaque chanson serait unique, une “aventure” en soi. La barre est évidemment trop haute, mais l’exercice donne tout de même lieu à une diversité stylistique où quelques pistes se démarquent du lot : Cadillac, ballade blues langoureuse par excellence, nous évoque une pléthore d’antécédents dont, au niveau local, du vieux matériel de Jean Leloup (L’Antiquaire ) ou de Caféïne (Color of love). The Ballad of Cottonball Johnny est un mini-hymne pop-punk de 1:16. Feathered Fly: entièrement a cappella. L’ombre de Johnny Cash plane au sein des duos vocaux de Fieldtrip! ou Do You Look at Everybody That Way?. I Won’t Miss You se perd dans la reverbération certifiée Magnetic Fields.

Au milieu de tout cela, quelques chansons ingénument pop, accrocheuses, trames sonores idéales d’un film fauché à Sundance ou d’un après-midi de shopping chez Urban Outfitters. Des chansons qui ont un air mélancholique de déjà-vu, comme retrouvées d’un album oublié qu’on avait si souvent écouté étant adolescent. Des chansons qui font plaisir, tout simplement.

Conscients peut-être qu’indie a autrefois eu une signification au-delà de la délimitation floue d’un genre musical un peu fourre-tout, Hands and Knees se passent d’étiquette et se distribuent seuls. Wholesome est à vous pour 5$ ou plus (à votre discrétion, soyons tendance), vinyles édition limitée en option: http://handsandknees.bandcamp.com/.

Souvent qualifé de post-punk, cet album est actuellement une des expressions musicales les plus densément gothiques que nous ayons récemment entendues. Le ton est opressant du début jusqu’à la fin, la voix se perdant dans des méandres de réverbération et de distortion sans espoir de lumière. Les chansons se construisent en couches superposées, sons et bruits se densifiant progressivement avant d’atteindre des points de rupture, accalmies temporaires. Au sein de cette musique constamment pulsée, tout devient rythme et échos, les claquements de main dans Circles et les halètements de Sewer Sickness étant particulièrement efficaces, de même que les syllabes scandées de We Are We.

Le pot-pourri d’influences se fait évidemment sentir : on remercie Joy Division pour les batteries hypnotiques, The Editors pour les solos de guitare suraigüs en notes répétées, Bauhaus pour les lignes de basse et voix d’outre-tombe, et d’innombrables pionniers de la cold wave qui ont su intégrer des synthétiseurs acerbes et acérés à une instrumentation acoustique. Vasquez réussit toutefois à apposer une touche personnelle et moderne au produit final, notamment grâce à l’aspect un peu expérimental de la musique qui évoque (sans atteindre toutefois à leur originalité) Dark Day ou, plus près de nous, Agent Side Grinder.  Le principal reproche qu’on pourrait adresser à The Soft Moon tient probablement à son uniformité – les pièces, bien que de qualité, se ressemblent fort, et cette proposition pourrait lasser si ce n’était de sa brièveté. En onze pistes et 37 minutes, l’album réussit cependant à maintenir une enérgie captivante. L’inspiration constructiviste et suprématiste du visuel appose une touche finale qui ne peut que nous réjouir.

The Soft Moon avec John Maus et Tops
2 octobre au Il Motore (179 Jean-Talon O.), 10$ / 13$ à la porte

D’un éparpillement de cassettes faites maison, les neuf pistes choisies se transportent ici sur vinyle, remastérisées mais encore exhalant une indéfinissable qualité DIY : mélodies et bruits, rythmes et nappes sonores s’entrecroisent dans une proposition foncièrement éclectique. On passe des basses pulsées disco aux sons industriels, à l’orgue ou aux envolées harmoniques façon Kraftwerk, souvent au sein d’une même piste. La recette fonctionne et, bien que restant très accessible, permet à l’ensemble de s’éloigner quelque peu des sentiers battus, notamment en raison du caractère instrumental des oeuvres – d’avantage des “compositions” que des chansons. Nous nous sommes entretenus avec l’artiste.

Contrairement à plusieurs rééditions récentes de vinyles et cassettes oubliés de la décennie 1980, Hot Bip est essentiellement composé de matériel inédit. Comment avez-vous été approché par Minimal Wave pour ce projet? Cette collaboration a-t-elle soulevé des défis particuliers?

C’est une longue histoire. Veronica Vasicka du label MW est une véritable exploratrice. Elle m’avait contacté il y a déjà plusieurs années mais, dans les secondes qui avait suivi la réception de son premier e-mail, le disque dur de mon PC est mort prématurément et j’ai perdu son nom, son adresse e-mail et le nom de son label. Ensuite, infatigable, Veronica a finalement retrouvé ma trace et nous avons commencé à travailler sur le projet Hot-Bip.

Le défi a été de retrouver mes morceaux des années 80. Certaines versions originales avaient disparu ou se trouvent sur des bandes magnétiques 4 pistes dont je ne possède plus le magnétophone.

Vos pièces sont essentiellement instrumentales, et d’une facture formelle parfois presque classique. Avez-vous reçu une formation musicale académique?

Je suis autodidacte mais j’ai passé beaucoup de temps à déchiffrer des partitions de Bach, Bartok, Mozart, Wagner et autres, pour comprendre leur travail.

En ce qui concerne l’aspect formel de mes morceaux, à mon avis cela est dû au fait que c’est une musique écrite et non improvisée. Les pièces avec voix sonnent aussi comme des musiques instrumentales car, quand j’ajoute des paroles, la voix est conçue comme un instrument parmi d’autres. Même dans les morceaux les plus minimalistes, il ne s’agit pas d’un texte accompagné d’un arrangement.

Ces deux traits musicaux font évidemment penser à Jarre ou Kraftwerk. Avez-vous d’autres influences plus obscures que vous souhaiteriez partager avec nos lecteurs?

Aucune influence à chercher du côté de J.M. Jarre. Mon approche est différente. Il faudrait plutôt regarder en effet du côté de Man Machine de Kraftwerk, mais aussi du côté du Mandarin merveilleux de Béla Bartók ou de Machine danse de Pierre Henry, je crois. Il m’est difficile de définir mes influences car j’ai toujours essayé de me détacher des mouvances afin d’avoir une démarche originale.

La musique qu’on entend sur Hot-Bip couvre la période 1979-1988. Vous vous êtes par la suite éloigné quelque peu de la composition pour devenir d’avantage un artiste multidisciplinaire. Pouvez-vous nous dire quelques mots sur votre parcours, et – surtout – sur vos autres projets actuels?

En réalité, je pense que je ne me suis jamais vraiment éloigné de la composition musicale. Ma démarche artistique multidisciplinaire est globale, mes réalisations visuelles et sonores sont liées. Si on a l’impression qu’à certaines périodes je me suis éloigné de la musique c’est certainement parce que j’ai toujours eu beaucoup de difficultés à trouver des labels pour produire mes enregistrements. La majorité des labels, même indépendants, se spécialisent dans une «catégorie» musicale et ne sont donc pas attirés par les compositions atypiques. Actuellement, je travaille sur des projets toujours aussi éclectiques.

La presse se plait à parler de la renaissance d’une “scène” synthétique, les étiquettes underground et soirées spécialisées se multiplient. Comment voyez-vous tout cela du haut de votre expérience de l’époque?

Je suis ravi et je me sens totalement solidaire des gens qui organisent ces soirées à contre-courant. J’ai l’impression que les choses reprennent là où elles s’étaient arrêtées plusieurs décennies avant. J’espère aussi que les musiciens de cette scène électronique et expérimentale actuelle ne rencontreront pas la même hostilité et la même incompréhension, de la part de la presse musicale française notamment, que nous avons subi il y a une vingtaine d’années.

Hot-Bip est disponible sur vinyle et téléchargement auprès de Minimal Wave; nous vous en proposons un extrait audio.

philippelaurent-systemeclairPhilippe Laurent – Système Clair

Petit à petit, la prolifération récénte d’albums s’inscrivant dans la tendance électronique minimale entraîne fatalement un phénomène de saturation. Les pistes ne peuvent être toutes également inspirées et les temps morts côtoient souvent les moments poignants sur les albums. Heureusement, la concentration du matériau musical semble ici avoir eu un effet stimulant sur l’imagination des artistes : alors que Dust On Common (2009) était réussi mais un peu inégal, le travail de Led Er Est est ici nettement plus maîtrisé et précis. Laissant une plus grande place à la mélodie, leurs quatre chansons (Ants fait figure d’intermède bruitiste) accaparent l’oreille avec plus de subtilité. Lonesome XoXo possède une aura douce-amère d’un autre temps à la Guyer’s Connection, tandis que Darkness in My Soul - une reprise inspirée de Solid Space de 1982 (clip original) – nous montre une face plus touchante du groupe.

Ancien Régime ne sont d’ailleurs pas en reste et proposent un minimal synth mitigé de new wave à tendance gothique, où les boites à rythmes robotiques rencontrent des basses passées au flange façon The Cure. Alors que la plupart des artistes retiennent le côté sombre de ces illustres modèles, Ancien Régime semblent s’être souvenus que la bande de Robert Smith savait aussi être pop : si Brief Encounter et The Phantom Chariot ne s’éloignent pas trop des modèles connus, No Lights in the Elevator nous propose un kitsch rafraîchissant et entraînant qui évoque les beaux jours de Melody Club.

Soulignons enfin la grande qualité esthétique de la pochette toute en rouge, blanc et noir, gravures anciennes et touches constructivistes : si le tirage original est hélàs épuisé, quelques distributeurs en possèdent encore quelques exemplaires sur les rayons – intéressés, dépéchez-vous.

Reprenant là où les pistes plus techno telles que Total Solide (Total Magique, 2007) nous avaient laissé, Smile At The Void (2011) nous offre une musique qui laisse de côté une partie de son agressivité pour des ambiances électroniques plus frigides. Que ce soit façon Joy Division, une référence évidente dans Run (notre coup de coeur) ou façon Visage (on pense à Pretend, le single, dont la fin est tout droit sortie de The Damned Don’t Cry), l’influence new wave est indéniable. La touche “électro” de Jordan Dare vient néanmoins ancrer l’ensemble dans une modernité éthérée. Le EP pourrait certes avoir un peu plus d’originalité (Tension par exemple a des airs de déjà vu de Vague, sur Insvisible Violence), mais pour 4$ en téléchargement ou 10$ sur vinyle 12″, c’est un must pour tous amateurs d’électronique alternative à tendance gothique. Uniformes militaires asymétriques en option lors d’un concert près de chez vous.

Commandes et informations : http://claass.bandcamp.com/ et Machette Records.

Nous vous avions quitté en mars sur une entrevue avec Martijn Van Gessel d’Enfant Terrible. Son étiquette ne prenant quant à elle pas de vacances, nous vous parlerons aujourd’hui des deux albums publiés ces derniers mois par nos amis hollandais. Fidèle à sa mission alternative au sein d’un univers musical déjà marginal, Enfant Terrible s’enfonce encore plus loin  avec ces parutions sur la voie de la musique expérimentale : par delà presque trente années d’écart, Falun Gong (2011) de Milligram Retreat et Via Del Latte (1982) de Doxa Sinsitra partagent une vision bruitiste de la musique où mélodies et accords cèdent le pas à l’inharmonique.

Adoptant un ton résolument punk et engagé, les premiers saturent leur musique de distorsion et de références anti-totalitaires. Basses, drum machines, synthétiseurs – tout est broyé et se confond souvent au sein de nappes monocordes tandis que les échantillonnages de discours quasi fascistes (THX1138 de George Lucas, dans The New Alignment) renvoient à la répression en Chine via le titre de l’album. Les huit chansons de Falun Gong se suivent et ne se ressemblent pas, en une proposition qui tient peut-être de la liberté créatrice mais qui nous semble néanmoins parfois décousue et mal maîtrisée. Inégal, donc, mais non inintéressant, ce premier album a su nous accrocher avec deux pistes (ici en écoute), l’énergique Wife et la sombrement ambiante The New Alignment.

À l’opposé de cette esthétique brouillonne teintée d’agressivité se retrouve le minimalisme glacé et précis de Doxa Sinistra. Aux cotés de Ende Shneafliet et The Actor, le groupe a fait les beaux jours de Trumpett, célèbre étiquette hollandaise underground des années 1980. Enfant Terrible avait déjà publié en 2008 une réédition de la deuxième cassette de Doxa Sinistra, Conveyer Belt, originalement parue en 1985. Avec Via Del Latte, on revient vers un style encore plus dépouillé : des 18 titres du disque, peu méritent le titre de “chansons” – bidouillages, compositions, essais et erreurs conviennent sans doute mieux. Ces synthétiseurs métalliques triturés et présentés nus, le plus souvent sans paroles et même sans basse ou batterie, constituent une écoute certes exigeante, mais témoin d’une époque où l’électronique était encore un champ ouvert à défricher. Ruhrgebiet, présentée ici, se détache du lot.

Les deux albums sont disponibles exclusivement sur vinyle chez Enfant Terrible, en tirage limité comme d’habitude.

milligramretreat_wifeMilligram Retreat – Wife [4:04]

milligramretreat_thenewalignementMilligram Retreat – The New Alignment [6:50]

doxasinistra_ruhrgebietDoxa Sinistra – Ruhrgebiet [2:38]

Moins “punk” et plus “post“, Perspective Nevski nous fait irrésistiblement songer au The Cure des premiers albums. Encore un groupe qui n’a que deux titres à son actif, publiés – l’histoire se répète – sur une obscure compilation en 1983 (Éphèmere Compilation) avant d’être réédités récemment. Moment of Hate côtoie en effet sur Des Jeunes Gens Mödernes le canon incontesté de la new wave française du tournant des années 1980. La compilation, parue en 2008, accompagnait d’ailleurs une exposition du même nom consacrée à la contre-culture de l’époque. Pour clore le tout, une chanson d’un des classiques du genre, Magazine : Cut-Out Shapes, tirée de leur deuxième album, Secondhand Daylight (1979). Toujours au confluent du rock et de l’expérimentation d’avant-garde, la piste se déploie de manière quasi symphonique au fil de ses nombreuses ruptures de rythme. Pour le plaisir des danseurs avertis !

Cold War Night­life
Samedi 26 mars à par­tir de 22h00 – entrée gratuite
au troisième étage du Drugstore (1366 Sainte-Catherine est à Mont­réal).
Aux pla­tines : Zoé Star­child + Georges Dimitrov + Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di) + Dr. Galaktik

Nous ne recevons que très peu de musique hollandaise, ici au Canada. Comment se porte votre scène locale ? L’opposition entre productions commerciales et indépendantes est-elle très marquée ?

Je suis actif dans le milieu de la musique depuis plusieurs années maintenant et j’ai collaboré à de nombreux projets, incluant mes propres productions. Évidemment, les univers musicaux que l’on pourrait qualifier de « commerciaux » et d’« indépendants » existent ici, mais je préfère ne pas utiliser ces termes… tout simplement parce ce que je ne m’intéresse généralement pas à ce que l’on nomme « l’industrie musicale » – que celle-ci soit considérée comme commerciale ou indépendante, d’ailleurs.

Selon moi, il y a très peu de personnalités ou d’événements réellement intéressants ici, et les publications musicales n’offrent que très peu d’espace à la musique qui m’interpelle.

D’un autre côté, certaines personnes, tout en travaillant de jour dans un emploi « normal », font partie d’un groupe, mettent sur pied une petite étiquette de disques, ou organisent de temps en temps un concert… comme moi. C’est un monde parallèle, particulier, dont la musique est totalement absente des médias traditionnels et grand public. L’industrie commerciale ignore-t-elle cette musique, ne veut-elle pas en entendre parler, ou bien est-elle incapable de l’écouter et d’en découvrir tous les talents ?

À mon avis, il y a un nombre très restreint de gens qui, avec un goût sûr et de l’audace, préfèrent travailler à faire connaître la musique plutôt que d’effectuer leur propre publicité personnelle.

Enfant Terrible se spécialise dans la découverte de nouveaux talents via la publication de compilations. Comment procédez-vous aux choix de vos artistes ?

Vous demandez au chef le secret de ses recettes ! Depuis aussi longtemps que je me souvienne, je suis à la recherché de nouveaux sons. Parallèlement, j’écris sur la musique depuis plusieurs années. Je suis évidemment tombé sur des groupes qui selon moi avaient un grand potentiel. C’est ainsi que j’ai commencé, et c’est toujours le principal moteur de mon travail avec Enfant Terrible : je découvre de la musique que j’aime, et j’ai ensuite envie de donner un tremplin à ces artistes.

L’année dernière, j’ai également commencé à élargir les horizons de mes activités en abordant d’autres domaines : les arts visuels, une émission de radio (Radio Resistencia) en collaboration avec Andreas (Lesbian Mouseclicks) et Peter (Sololust), avec qui j’ai aussi fondé un magazine (Traces – aussi avec Johan de Seja).

J’ai ainsi encore davantage de moyens de promouvoir la musique que je découvre. Enfant Terrible n’est plus « seulement » une étiquette de disques, mais une véritable plateforme et une source d’information musicale.

Votre étiquette se spécialise non seulement dans la musique underground, mais elle publie également exclusivement sur vinyle. Pourquoi le choix de ce support, et est-ce viable économiquement ?

Pour moi, un CD ne représente rien. Si la musique digitale – le téléchargement de MP3 -  est un « non-produit » absolu, le CD n’en est pas loin…Je n’ai jamais envisagé de produire de la musique sur CD. Je collectionne les vinyles depuis très longtemps.

J’ai n’ai réalisé qu’un seul CD, sûrement pour me convaincre que le produit pouvait se révéler satisfaisant si on en prenait vraiment soin. Et même si j’ai beaucoup d’affection pour la compilation en question (Radio Resistencia), je trouve le résultat mitigé…. Le format n’était définitivement pas le bon, un double vinyle aurait été meilleur. Mais on apprend toujours de ses erreurs, et on essaie de s’améliorer.

Je ne produis pas seulement des albums sur vinyle, mais des vinyles en éditions limitées, et même très limitées ! Certains labels font des réimpressions d’éditions soi-disant limitées lorsqu’un de leurs titres est épuisé, ce que nous ne faisons jamais : quand un album d’Enfant Terrible devient épuisé, c’est pour toujours.

Notre « réseau » de distribution à travers les magasins de disques indépendants rend également nos albums difficiles à trouver pour le commun des mortels. Ces « difficultés » sont voulues : je souhaite que les gens s’impliquent davantage dans l’achat de leur musique. Ces disques ne sont pas trouvables partout, ils s’adressent à un public spécifique. Vous devez être au courant, être un illuminati. Mais évidemment, j’essaie de promouvoir au maximum mes artistes. Tout le monde peut s’impliquer, il ne s’agit pas d’une secte fermée !

Si je n’ai aucunement l’intention de m’adresser à un public de consommation courante, je m’intéresse énormément à MON public, les gens qui me suivent, de véritables enthousiastes. Je suis également heureux d’avoir le support de ce réseau de boutiques indépendantes qui m’aident à pouvoir procurer ma musique aux bonnes personnes.

Quant à être économiquement viable…évidemment non, mais ce n’est pas non plus le but d’Enfant Terrible. Je souhaite créer de la valeur culturelle et non des valeurs marchandes. C’est pourquoi j’ai mon emploi de jour, tout en conservant Enfant Terrible comme « passe-temps » à temps plein…

Il est indéniable que les musiques électroniques minimales et DIY du début des années 1980 sont présentement à la mode. En plus des nombreuses rééditions des artistes de l’époque, certains groupes actuels s’inspirent de ce style au point d’adopter un son quasi identique… qu’avez-vous à dire sur cette tendance ?

Pour être honnête, je crois qu’une bonne partie de cette musique des années 1980 actuellement rééditée présente un intérêt plutôt limité… C’est d’ailleurs pourquoi j’ai choisi, malgré la demande d’un certain public, de ne pas vendre toutes ces rééditions dans ma boutique web. Je sélectionne plutôt certains disques particuliers, intéressants à cause de la musique elle-même ou parce qu’ils possèdent une vraie valeur de document ou de collection.

Selon moi chaque disque devrait avoir cette « valeur culturelle » – et j’insiste là-dessus parce que c’est une part fondamentale de mon travail. Enfant Terrible se concentre maintenant sur des artistes contemporains qui osent réellement, et non plus sur la « zone de confort » que peut représenter les sons électro-minimaux « classiques ».

Pour les pionniers, la question du genre ne se posait pas : ils créaient de la musique simple, avec des moyens de production limités. Les véritables paysages sonores m’intéressent plus que les chansons accrocheuses destinées aux planchers de danse.

Les musiciens qui ne font que copier vulgairement les sons typiques des 80’s n’ont aucun intérêt pour moi. Je recherche plutôt des groupes qui poursuivent la tradition des pionniers de l’époque tout en développant leur propre langage personnel… d’ailleurs très souvent inspiré par le monde d’aujourd’hui et par les moyens actuels de penser et de produire la musique.

Pour terminer, que nous réserve Enfant Terrible pour 2011 ?

Nous allons clore notre collaboration avec Trumpett en effectuant une dernière réédition de musique des années 1980. Enfant20 sera un second disque de Doxa Sinistra, la réédition sur vinyle de leur premier album « Via Del Latte ». Enfant Terrible aura ainsi réédité toutes les archives de ce label hollandais des années 1980.

Peut-être de nouvelles rééditions (par exemple dans la lignée des séries Spleen et Radionome) verront-elles le jour, mais je compte me concentrer davantage sur la production d’artistes contemporains et sur la découverte de nouveaux talents, ici en Hollande. Je souhaiterai surtout continuer d’élargir le « spectre sonore » d’Enfant Terrible – aussi bien dans l’expérimental que dans les sons plus pop. Au-delà de la musique à proprement parler, je planifie également des collaborations visuelles avec les artistes Renée Van Trier et Kelly Correll Brown.

En accompagnement musical à votre lecture, une chanson tirée du tout dernier 7″ édité par Enfant Terrible (Eindplaneet, 2010), un remix entraînant d’une piste de Staatseinde que nous vous avions déjà présentée ici.

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Staaseinde – Ruimtevaart Vooruit (Rude 66 Remix) [4:58]

Il y a de ces albums qu’on écoute de jour, au fil d’un marche, au soleil, dans le métro, en dansant; Faded Heart (2011) est un album de nuit. Ses pistes vaporeuses, aux antipodes d’une minimal wave rythmée à la Martial Canterel, se déroulent le plus souvent dans l’immobilité. Au-delà d’une première impression épousant inévitablement leur caractère parfois trop vague, les trames sonores gagnent en subtilité au fil des écoutes, révélant l’émotion qui était dissimulée. Si l’ensemble du disque est évocateur et d’une sombre beauté, on aurait toutefois souhaité une oeuvre peut-être plus caractérisée : les lentes harmonies jouent la carte de la mélancolie conformément aux codes du genre, tandis que les nappes de synthétiseur et les percussions lourdement réverbérées remplissent sans surprise le rôle qui leur est assigné. Un premier album à 26 ans est toutefois rarement oeuvre de maturité, et le talent de Mushy saura sans doute se préciser à l’avenir !

Deux pistes de l’album on retenu notre attention : Burn Me, dont le rythme lancinant rappelle certaines titres de Agent Side Grinder et illustre le côté sombre et gothique du disque, et la jolie She Was Elsewhere, une des rares chansons plus mélodiques. Comme toutes les parutions de Mannequin, Faded Heart est bien sûr disponible sur vinyle en édition limitée; il est cependant également possible de se procurer l’album sur CD, avec quatre pistes remixées en bonus. Du lot, la version de Newclear Waves de Losing Days nous a particulièrement accroché – trois titres à écouter, donc, mais une seule piste en téléchargement, la boutique en ligne de Mannequin attendant les amateurs.

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Mushy – Losing Days (Newclear Waves Full-On Night Remix) [5:35]

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Mushy – She Was Elsewhere [3:10]

L’objet collector est court : trois titres, un de Das Ding (Standing In The Hall), un d’une intrigante formation nommée Les Yeux interdits (Prison) et enfin Kill Me de Lab 80, inédit que Bosten aurait enregistré à  l’époque avec son frère. Le disque est déjà épuisé (!), mais la magie du net nous a également permis de mettre la main sur une cassette originale de Tear Apart Tapes comprenant quant à elle six chansons, trois de Das Ding et trois des Yeux interdits. La proposition est finalement peu ou prou la même, c’est-à-dire un son synthétique sobre… et sombre. On ressort les grands classiques : voix lointaines et désincarnées, sections rythmiques répétitives à l’extrême, mélopées funèbres martelées de notes hypnotiques. Bref, un cocktail que certains trouveront terriblement expérimental tandis que d’autres le jugeront particulièrement apte à certaines pistes de danse ! Si la musique déjantée de Das Ding évoque les très très arty Cabaret Voltaire (notamment sur l’étrange Signature avec son rythme improbable et ses folles réverbérations de voix multiples), Les Yeux interdits qui, comme leur nom ne l’indique pas, chantent bien en hollandais, penchent davantage vers le dancefloor gothique.

Du travail de Telex dans les années 1980, Sex (Birds & Bees) se détache incontestablement du lot par sa relative maturité. Le deuxième (ou troisième, ou quatrième) degré propre à leur musique semble en effet ici plus maîtrisé : le rapport entre la plaisanterie et le sérieux est sensiblement équilibré et la recette “prend” malgré un éclectisme débordant. Tout s’explique d’ailleurs quand un peu de recherche nous apprend que nos amis belges ont requis les services des Sparks pour l’écriture de l’album… Musicalement, Sex (Birds & Bees) est un bordel de première classe, allant du hit funky (Drama Drama, copie carbone de Fame de David Bowie) à la chanson de crooner (Long Holiday) et à l’électro-disco façon Giorgio Moroder (Brainwash). L’instrumentation passe avec bonheur de l’électronique à l’échantillonnage et foisonne de petits bruits biscornus. Trois pistes retiennent spécialement l’attention : Sigmund Freud’s Party, fable viennoise à tendances rockabilly, la jolie Mata Hari et l’hilarante Exercise Is Good For You et ses basses robotiques.

Bien moins connue mais tout aussi amusante, nous vous proposons aussi ce mois-ci Méchante Souris, du groupe belge Ninove. Nous avons très peu d’informations sur la formation, fondée à la fin des années 1980 par Bernard Plouvier, violoniste et chanteur éclectique, et son frère Jean-Luc, claviériste : Discogs ne répertorie que quatre pistes du groupe sur diverses compilations, et les frères Plouvier ne semblent pas avoir enregistré d’album entier. Surréaliste à souhait, la piste sautillante et échevelée laisse en tout cas libre cours aux vocalises paranoïaques du chanteur et sa souris-phobie.

Terminons enfin avec un autre classique parmi les “plaisirs coupables” de la soirée : Telephone Operator de Pete Shelley. Essentiellement connu comme fondateur et chanteur du légendaire groupe punk Buzzcocks, Shelley a poursuivi durant les années 1980 une carrière solo au succès variable. Les textes ouvertement homoérotiques de ses chansons (le compositeur ayant à ce moment publiquement avoué sa bisexualité) se sont souvent heurtés à la censure radiophonique, les empêchant sans doute  d’obtenir le retentissement qu’elles méritaient.

Cold War Night­life
Samedi 19 février à par­tir de 22h00 – entrée gratuite
au troisième étage du Drugstore (1366 Sainte-Catherine est à Mont­réal).
Aux pla­tines : Zoé Star­child + Georges Dimitrov + Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di) + DJ Mekanik.

Bien que ne sortant que très peu des sentiers qu’il a lui-même battus, Sean McBride nous livre un disque solide et généralement plus accessible : en dehors de la très vaporeuse et très Jean-Michel Jarre The Empty Sand ainsi que la sombre Some Days, l’ensemble des chansons sont remarquablement rythmées et dansantes. Occupy These Terms, une des pistes les plus accrocheuses, enchaîne ainsi à des couplets nerveux un refrain aux allures épiques, le tout aux tempos frénétiques auxquels l’artiste nous a habitués. Cette vitesse toutefois, si elle contribue évidemment au caractère robotique de la musique, lui enlève aussi hélas parfois une part d’émotion : des pièces comme la très touchante Sidestreets (qui aurait n’aurait d’ailleurs aucunement détonné sur A Broken Frame de Depeche Mode) troquent avantageusement quelques BPM pour quelques instants de grâce. L’ensemble, enregistré live, reste néanmoins un tour de force technique. Au final, You Today se révèle être un album sans grande surprise, bien que pleinement satisfaisant.

Outre Occupy These Terms, nous vous proposons aussi la chanson-titre et premier single - l’album entier est disponible sur commande auprès de Wierd Records.

Toujours en provenance de la péninsule scandinave vient ensuite l’hymne Maskindans de Det Gylne Triangel (“Le triangle doré”), un titre provenant de la compilation du même nom. Maskindans – Norsk Synth 1980-1988, publiée en 2009 par l’étiquette norvégienne Hommage Records, retrace en effet les belles (et mystérieuses) années de la new wave de cette froide contrée. Bien que la compilation comporte une majorité de pistes plutôt pop, Maskindans se distingue par sa noirceur et son agressivité quasi-militaire. Concluons avec Störung, un groupe hollandais en activité de 1981 à 1983. En comparaison aux deux précédentes, cette formation a une production “impressionnante” : un album complet, quelques singles, bootlegs et autres cassettes démo. Leur son post-punk aux sonorités gothiques est quelque peu inégal, mais Empire SX ressort du lot grâce à l’efficacité de sa ligne de basse distortionnée à souhait et sa batterie robotique.

Cold War Night­life
Samedi 22 janvier à par­tir de 22h00 – entrée gratuite
au troisième étage du Drugstore (1366 Sainte-Catherine est à Mont­réal).
Aux pla­tines : DJ Star­child + Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di) + DJ Mekanik.

En ce début 2011, nous vous proposons un petit retour vers l’un de nos groupes chéris, Rational Youth. À notre grand regret, la carrière discographique de la formation montréalaise se limite à trois albums, dont un véritable chef-d’oeuvre, le bien nommé Cold War Nightlife (1982). Ce disque, longtemps rarissime avant une réédition CD datant de 1997, fut suivi du confidentiel Heredity (1985) et d’un come-back plutôt obscur en 1999, To The Goddess Electricity. Bref, pas grand-chose à se mettre sous la dent pour le fan enthousiaste… qui, grâce à la magie du grand Dieu internet, réussit heureusement à retrouver l’introuvable. Voici donc un cadeau bonbon de ce début d’année, trois B-sides perdus et retrouvés nous permettant de poursuivre notre amour pour la new wave pop glacée de Rational Youth.

Le son de Rational Youth étant aussi original que bien de son époque, les références pleuvent à l’écoute de ces découvertes. Débutons avec Hot Streets. Avec sa section rythmique entêtante, ses pluies de notes étincelantes et surtout son chanté-parlé intense, le titre évoque sans peine les Pet Shop Boys, période West End Girls. The Man In Grey est quant à elle un véritable petit roman d’espionnage à elle toute seule, texte narratif à l’appui et attitude théatrale que n’aurait pas reniée le Steve Strange de Visage. Enfin, d’une évidence pop déconcertante, In Your Eyes séduit immédiatement. Son imparable mélodie virevoltante, digne des meilleurs moments de OMD, s’emparera sans contredit de votre cerveau ravi. Enjoy !

Fidèles à notre habitude, nous en profitons pour partager quelques curiosités obscures. Les trois groupes que nous vous présentons sont de véritables one hit wonder – la notion de hit étant évidemment toute relative dans les eaux obscures où nage ce blogue. Lorsque le tirage d’un titre s’élève à une flamboyante centaine de copies, pressée à la main dans un sous-sol, le mot “succès” prend alors un tout autre sens… Débutons donc avec Tres, formation suédoise du début des années 1980, qui nous propose sur son unique 7″ Smile On My Face une synthpop infusée de sonorités disco. Bien que les deux pistes soient fort réussies, c’est la face b qui retient surtout l’attention : Operator a le potentiel de vous poursuivre du plancher de danse jusque dans vos rêves. Déja connue par les amateurs de curiosités grâce aux célèbres compilations Flexipop, la chanson a été remise au gout du jour par nos collègues de Crispy Nuggets plus tôt cette année.

Le blogue sus-mentionné nous a également permis d’avoir un coup de cœur pour les mystérieux anglais de The Toy Shop. Avec leur single The Maze (1981), ils nous offrent une joyeuse comptine new wave aux refrains glam, dont les bizarreries sonores et vocales nous évoquent le Bowie de la même époque. Terminons avec une chanson fort bien située dans le thème de la soirée, Ich komme aus der DDR (“Je viens d’Allemagne de l’est”) des allemands Gleitzeit. Bien qu’ayant fait l’objet d’une publication indépendante en 7″, la piste est tirée de la bande originale du film ouest-allemand Nuclearvision (1982), ce qui nous pousse à croire que le groupe (sur lequel nous n’avons virtuellement aucune information) fut probablement monté expressément pour l’occasion. Au menu, une neue deutsche welle sautillante comme on les aime, assortie de paroles historiquement acerbes – “Je viens de l’Allemagne de l’Est/Et je traverse moi aussi à l’Ouest/Je deviens simplement millionnaire/Et puis j’achète l’Allemagne de l’Est“. À samedi !

Cold War Night­life
Samedi 18 décembre à par­tir de 22h00
au troisième étage du Drugstore (1366 Sainte-Catherine est à Mont­réal).
Aux pla­tines : DJ Star­child + DJ Trans­mis­sion + Xa­vier Pa­ra­dis (Au­to­me­lo­di) + DJ Mekanik.

En guise de première publication (sortie le 15 novembre), Alkomerz nous propose ainsi un double single de Jeans Team en format 12″. Alors que nous connaissions déjà l’excellente Cocktailständer – présentée en version démo dans un post précédent -, Totes Kino (“Cinéma mort”) s’avère être une belle continuation de leur nouveau style. En effet, les concerts et les démos récents nous avaient montrés le duo s’éloignant de l’esthétique parfois brouillonne qui caractérisait leurs premiers albums pour embrasser un son mieux cerné et plus dansant. La piste est entraînante à souhait et son refrain inlassablement répété ne nous quitte plus après quelques écoutes – quant aux myriades de petits blips et petits bruits curieux dont Jeans Team a le secret, on ne vous en parle même pas…

En plus des deux chansons-titre, le vinyle nous offre aussi un remix accompagnant chacune des “faces A” : ces exercices sont hélas souvent anecdotiques, règle malheureusement confirmée ici. Jeans Team eux-mêmes s’en tirent correctement avec une version quasi-instrumentale de presque huit minutes de Totes Kino (intitulée Kein Mensch), qui a pour qualité principale une partie centrale ralentie à un point extrême et ressemblant de façon frappante au travail de Telex. Le remix de Cocktailständer de Riley Reinhold déçoit cependant avec une sonorité “club” somme toute assez générique. Que ces faces B ne vous découragent pas cependant : la formation allemande semble entrer, avec cette parution solide, dans une nouvelle époque que nous espérons florissante. Le groupe nous a aimablement autorisé à vous offrir Totes Kino en écoute; vous pouvez aussi jeter un coup d’œil sur un vidéoclip… pour le moins particulier de Cocktailständer, réalisé lors d’une tournée en Chine. Quant au vidéoclip de Totes Kino qu’on nous promet pour le 8 décembre, les premières images nous allèchent avec une esthétique théâtrale où le cinéma muet rencontre Klaus Nomi : à suivre. Pour vous procurer le maxi, rendez-vous au http://alkomerz.com/shop/mail-order/.

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Jeans Team – Totes Kino [4:05m]

D’emblée, nous pouvons dire que le talent de compositeur de Martin Lloyd ne se dément pas sur ce mini-album, et les amateurs de Oppenheimer Analysis se retrouveront en territoire connu. Lloyd ayant assumé les rôles principaux de musicien, bidouilleur de synthétiseurs et producteur au sein du groupe, les sonorités et les arrangements sont ici familiers et efficaces : la réalisation de la chanson titre, dansante et accrocheuse à souhait, est impeccable. Ces quatre pistes toutefois, malgré leurs qualités, nous laissent tout de même quelque peu sur notre faim.

De son propre aveu, Lloyd travaillait en étroite collaboration avec Oppenheimer et ce dernier le poussait vers une écriture moins attendue: “Travailler avec Andy m’inspirait à trouver des progressions d’accords non conventionelles [...]. Essentiellement, plus longtemps nous travaillions, meilleure devenait la pièce.” (tiré d’une entrevue réalisée en 2005 par Veronica Vasicka de Minimal Wave). Cette étrangeté que semblait insuffler à la musique son comparse nous manque, de même que sa touchante voix. En effet, ne pouvant sans doute égaler les performances vocales de Andy Oppenheimer, Martin Lloyd s’est tourné ici vers le vocoder qui joue le double rôle de palliatif et de prise de position stylistique. Ce traitement de la voix décale la mélancolie typique des chansons d’Oppenheimer Analysis vers une esthétique certes plus kitsch mais non dénuée de charme. Si L’amant Électronique (que nous vous offrons en écoute) gagne les faveurs des pistes de danse, les trois autres pistes de l’album sont plus calmes et éthérées, légèrement moins pop. Western Dreams a un faux air de Jay-Jay Johansson période Antenna (2002 – il parait que les modes suivent généralement des cycles de 20 ans…!), tandis que Half-Life et Science Fiction Man s’inscrivent dans la lignée cold wave des Experimental Products de ce monde. L’amant électronique, au tirage limité à 999 copies, est disponible sur commande à la boutique de Minimal Wave.

Leur plus récente publication, disponible depuis le 10 octobre, est un album que se partagent deux formations au son complémentaire, Frank (Just Frank) et Soviet Soviet. Combinant des talents français et britanniques, les premiers nous proposent une cold wave fidèle tant à ses origines électroniques qu’à une urgence post-punk. Il s’agit d’un retour sur disque pour le groupe, qui a fait paraître plus tôt cette année un LP, The Brutal Wave, chez les habituels Wierd Records. Alors qu’une froideur à la The Cure prédominait sur ce premier essai, Frank (Just Frank) ont maintenant embrassé des sonorités sucrées plus pop qui ne sont pas sans rappeler un Étienne Daho.

Quant à Soviet Soviet, jeune groupe italien à la page, ils nous offrent un post-punk très sombre flirtant plus souvent qu’autrement avec le rock gothique. On pense évidemment à Bauhaus mais aussi aux plus expérimentaux Killing Joke : murs de guitares distortionnées et voix torturées sont à l’avenant, jointes à une section rythmique agressive. Mannequin nous ont aimablement donné la possibilité de nous entretenir avec le groupe (merci à Alessandro Adriani pour la traduction à partir de l’italien !).

Votre communiqué de presse mentionne votre goût pour le son de la new wave italienne. Que pouvez vous nous dire sur cet héritage ?

Nous aimons profondément la musique produite durant cette période, même si nous ne l’avons surement pas “vécue”, étant tous nés dans les premières années de la décennie 1980. C’est un intérêt musical qui s’est récemment développé. Soyez sûrs que quelques-uns de ces sons analogues et poussiéreux des années 1980 sont très familiers à nos oreilles, mais de vivre ces années et d’avoir être submergés par ces sonorités… c’est quelque chose de complètement différent. L’intérêt et l’amour que nous avons pour plusieurs groupes des années 1980 nous ont cependant influencés indirectement et ont sûrement été une des raisons qui nous ont poussés à écrire nos propres pistes. Nous avons grandi en écoutant toutes sortes de musiques, mais ce son est celui que nous avons adopté en jouant ensemble. Ce n’était pas un choix conscient et planifié d’avance, c’était simplement naturel pour nous d’en arriver là : nous avons commencé à écrire l’esprit libre et sans a priori.

Et que pouvez-vous nous dire de la scène underground italienne actuelle ?

Il nous semble que la situation est en pleine ébullition. De nombreux groupes de talent jouent actuellement dans notre pays, et nous avons eu l’occasion et l’honneur de partager la scène avec certains d’entre eux. Plusieurs clubs accordent aussi plus d’importance à ce qui se fait dans l’underground, ce qui est très positif pour nous. Il y a aussi une attention particulière portée à certains aspects autrefois négligés, comme les DJs sets qui font maintenant partie intégrante de la programmation des spectacles. La scène musicale actuelle est très intéressante et en perpétuelle évolution.

Les musiques punk et post-punk ont une longue tradition d’engagement politique. Vous sentez-vous appartenir à cet héritage ?

Honnêtement, il n’y a aucune connexion entre notre musique et la politique. Nous avons nos propres convictions politiques, nos idées et notre vision personnelle de l’actualité de notre pays; mais si nous sommes profondément intéressés par cet aspect des choses, nous efforçons toujours de bien distinguer politique et création. Il n’y a aucune prise de position dans nos paroles et nous ne supportons aucun parti. Soyez pourtant sûrs que nous n’en pensons pas moins et que nous ne négligeons pas non plus l’aspect critique.

Votre nom, Soviet Soviet, peut évidemment faire référence à la défunte URSS, mais également à la présence historique du communisme en Italie. Comment l’avez-vous choisi ?

Cette question revient souvent… Nous sommes bien sûr au courant de l’histoire des communismes soviétique et italiens, mais ces aspects n’ont jamais influencé notre choix de nom. Lorsque nous avons commencé à jouer ensemble, nous n’étions guidés par aucune idéologie politique. Ce nom nous est venu très spontanément, tout comme notre musique d’ailleurs. Nous aimions sa sonorité, tout simplement.

Et maintenant que vous nous avez alléchés avec cet EP, à quand un album complet ?

Merci ! Sans être sûrs de rien, nous espérons l’avoir terminé pour l’année prochaine. Nous travaillons sur du nouveau matériel et c’est un processus qui demande du temps et des efforts. Nous testons actuellement nos nouvelles compositions en studio et lors de concerts en Italie et en Europe; il nous reste cependant beaucoup de travail à faire. Nous désirons en tout cas ardemment sa parution !

L’étiquette nous permet gracieusement de vous offrir deux pistes en écoute et en téléchargement. Quant aux fans collectionneurs de cold-wave/post-punk dernier cri, nous vous recommandons le disque disponible sur commande chez Mannequin, limité à un tirage de 500 copies en format 12″.

En activité de 1979 à 1983, la formation a publié un court EP sur format 12″ (Bündig, 1981) et un album, Leichte Stimmen (1982) – les deux parutions ont d’ailleurs fait l’objet d’une réédition en CD l’an dernier par l’étiquette allemande NLW, réédition disponible via plusieurs autres labels et mailorders, dont Enfant Terrible et Anna Logue. Entendons-nous : bien que de qualité, la production musicale de Die Kapazität reste inégale et le groupe demeure une curiosité pour les amateurs plutôt qu’une formation de talent ayant laissé une marque durable dans le monde musical, même underground. Que cela ne nous empêche pas cependant d’y trouver quelques pistes hautement énergiques et dansantes, plaisirs coupables pour fans avertis. Voici donc en écoute et téléchargement Musik Für Kleine Mörder Mit Blick Auf Den See (“Musique pour petits meurtres avec vue sur le lac”), Keiner Hört Auf Mao Tse Tung (“Personne n’écoute Mao Tse Tung) et Kleine Cryptic.